Viúvas

A Vida Segue

O diretor Marcos Carnevale é o mesmo de Elsa & Fred (2005), retumbante sucesso sobre a paixão na terceira idade. Agora brinda o espectador com a comédia Viúvas, tendo como temática o casamento e a fidelidade, mas traz embutidos subtemas mais consistentes como a solidão e o desemprego na Argentina, que foram bem aprofundadas por diretores conterrâneos nos filmes A Velha dos Fundos (2010), de Pablo José Meza; no instigante Chuva (2008), de Paula Hernández; em O Homem ao Lado (2009), de Mariano Cohn e Gastón Duprat, numa reflexão magistral da privacidade e das relações em sociedade de duas famílias envolvidas pela complexidade dos seres humanos; na comovente comédia romântica contemporânea Medianeras (2011), de Gustavo Taretto, sobre os solitários em Buenos Aires na era do amor virtual. Viúvas foi indicado na Academia de Artes Cinematográficas da Argentina para concorrer com os atores Graciela Borges, Valeria Bertucelli e Martín Bossi.

Carnevale parte da morte repentina do músico Augusto (Mario Jose Paz- interpretou o personagem Maradona numa novela global, contracenando com Giovanna Antonelli), que deixa como último pedido à esposa Elena (Graciela Borges- a mesma ótima atriz de Dois Irmãos (2010), de Daniel Burman) a proteção da amante Adela (Valeria Bertuccelli- atuou nos longas Clube da Lua (2004), de Juan Jose Campanella e Chuva (2008), de Paula Hernández). Após o impacto inicial da notícia por uma ligação anônima do hospital, descobre que seu marido se relacionava com uma garota de pouco mais de 20 anos e que terá de lhe dar auxílio financeiro e emocional como se fosse sua mãe. Adota a rival com a qual o marido desfrutou os melhores momentos nos últimos cinco anos e demonstra aos poucos que seu casamento já estava completamente arruinado. Com o tempo vai tendo alguns confrontos com aquela moça pobre que perde o emprego de radialista e está com problemas financeiros e com dificuldades de se manter na faculdade de Jornalismo, especialmente pela falta de apoio do amante que lhe dava segurança. Os frequentes vômitos logo se materializarão como uma lembrança eterna e desejada em contraposição ao casal que viveu anos e nunca celebrou o nascimento de filhos.

O filme mostra a diretora respeitada de documentários Elena na companhia permanente da amiga e assistente de direção Esther (Rita Cortese), mas ao mesmo tempo vive às turras com o fiel escudeiro do marido, o mordomo (Martín Bossi) que tudo sabe mas permanece calado, na cena em que a cutuca com vara curta, pois sabe do passado nada recomendável da patroa, ao alertá-la sobre sua fidelidade também para com ela.

A forma inverossímil buscada na convivência entre esposa e amante sob o mesmo teto é um belo achado, mas que vai se esgotando e há revelações com o desenrolar da trama. As mágoas e os pequenos detalhes da vida íntima dos dois casais são bem conduzidos pelo cineasta. Às vezes beira o excesso melodramático, mas Carnevale segura bem o clímax e o elenco.

Viúvas lança um olhar universal para as situações dos indivíduos solitários e desprotegidos financeiramente. Filma o contraponto do urbanismo com a intimidade de seus personagens individuais, dentro de seus movimentos e suas dificuldades no coletivo, onde pessoas atônitas e excluídas de uma instigante relevância social ficam à mercê de um convívio melhor. A paixão pelo mesmo homem, com o passar do tempo, vai dando margem para uma vida futura e ambas buscam alternativas no futuro, adequando-se para o momento. A vida continua, mesmo que haja fatores opostos se colocando nos caminhos das duas mulheres vitimizadas por circunstâncias alheias à realidade. O longa trata o inusitado com bom humor, embora seja ácido na abordagem social.

Eis uma comédia dramática de costumes de boa reflexão na trama. Parte de um fato insólito de rivais estarem juntas após a morte do homem disputado, ao tratar com bastante lucidez a temática do casamento e da fidelidade. Porém devem ser ressaltados com ênfase os aspectos da solidão e do desemprego numa Buenos Aires cosmopolita e decadente, já tendo perdido muito de seu charme pela crise econômica que assola o país e com dificuldades de sobrevivência, onde duas criaturas desconhecidas lançam mãos de arranjos mais por imposição do que por conveniência, como bem retratado no epílogo amargo deste bom filme mais preocupado com as questões sócio-econômicas do que com picuinhas decorrentes de um triângulo amoroso que serve apenas como mote.

Os 10 Melhores Filmes do Ano

Os 10 Mais e 05 Menções Honrosas

Como é final de ano e todos os críticos estão com suas listas de melhores filmes vistos em 2012, também estou elencando o que se viu e ficou marcado como os 10 Mais e ainda 05 Menções Honrosas. Segue em ordem de preferência:

01. A Separação (foto acima), de Asghar Farhadi;

02. Drive, de NicolasWinding Refn;

03. Fausto, de Aleksander Sokurov;

04. Violeta Foi para o Céu, de Andrés Wood;

05. Infância Clandestina, de Benjamín Ávila;

06. Pina- 3D, de Wim Wenders;

07. E Agora, Aonde Vamos?, de Nadine Labaki

08. O Porto, de Aki Karismäki;

09. As Praias de Agnès, de Agnès Varda;

10. A Invenção de Hugo Cabret, de Martin Scorsese.

Dos que não conseguiram constar nos 10 Mais, listamos algumas menções honrosas, que só não entraram por absoluta falta de espaço, tais como:

- A Vida dos Peixes, de Matías Bize;

- Heleno, de José Henrique Fonseca;

- Habemus Papam, de Nanni Moretti;

- O Homem da Máfia, de Andrew Dominik;

- Eu Receberia as Piores Notícias de Seus Lindos Lábios, de Beto Brand e Renato Ciasca.

Infância Clandestina

Reflexos da Repressão

Vem da Argentina o representante que concorrerá à vaga de melhor filme estrangeiro do próximo ano. Infância Clandestina tem direção de Benjamín Ávila, em seu segundo longa e com ótima aceitação da crítica e do público na Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes, com roteiro do brasileiro Marcelo Muller, que antes fizera dupla com o cineasta no curta Veo Veo (2011). O produtor é Luiz Puenzo, ganhador do Oscar de filme estrangeiro por A História Oficial (1985). Realizou o documentário Nietos (2004), sobre a busca das avós na Praça de Maio por crianças raptadas pelos militares.

A trama tem inspiração na vida infantil do cineasta, que viu sua mãe pela última vez em 1979, uma guerrilheira do grupo Montoneros e que consta na lista de milhares de desaparecidos em seu país, durante a ditadura militar do período de 1976 a 1983. Benjamín tinha apenas 7 anos no traumático desaparecimento, o que tornou-o um diretor atento aos horrores dos porões argentinos, deixando nitidamente passagens autobiográficas serem inseridas no roteiro, com um viés de repúdio explícito à repressão contra inocentes, especialmente crianças atingidas de modo definitivo.

O drama mostra os anseios do garotinho de 12 anos Juan (Teo Gutiérrez Romero- em desempenho magnífico), alter ego do diretor, tem uma irmãzinha de colo. É filho do casal revolucionário Horácio (César Troncoso- sempre impecável, é o mesmo de O Banheiro do Papa (2007), de Enrique Fernandes e César Charlone) e de Cristina (Natalia Oreiro), tem como ídolo o engraçado tio Beto (Ernesto Alterio), que tem uma pequena fábrica de chocolates. Vivem trocando de residências e fugindo das forças repressoras do governo que reprimem com extrema violência os grupos opositores ao regime.

O cenário é 1979, logo após a conquista da controvertida e supostamente manipulada Copa do Mundo pela Argentina de 1978. As memórias relembradas do diretor são parcialmente mescladas com a ficção sobre a militância clandestina caçada ferozmente. O filme enfatiza que todos os personagens usavam nomes fictícios para entrarem na Argentina pela fronteira com o Brasil, sob pena de serem presos e identificados como guerrilheiros. Estavam num exílio forçado e o retorno ilegal era através da luta armada.

O longa mostra o amor pelo olhar desesperado e suplicante do protagonista mirim e seu grande romance com a encantadora coleguinha de aula Maria, que conhece o personagem cordobês de nome ficcional Ernesto. A ternura é comovedora do pequeno casal impossibilitado de continuar e dar vazão à grande paixão, como qualquer criança de vida normal, como reivindicada asperamente pela avó materna, num conflito familiar de rebeldia entre mãe de um lado, filha e genro de outro, por estarem estes imbuídos intransigentemente na causa assumida. Benjamín demonstrou influência e inspiração no filme de seu conterrâneo Marcelo Pineyro, o estonteante Kamchatka (2003), bem como no brasileiro O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias (2006), de Cao Hamburger. Mas a proximidade maior está na similitude temática com A Culpa é do Fidel! (2006), de Julie Gavras, um drama espantosamente memorável para uma diretora estreante.

Eis uma película que mostra os horrores sem a violência explícita desnecessária. Os relatos são contundentes dentro de uma atmosfera tensa, mas com uma harmonia segmentada de poesia e dignidade. O cineasta aborda com elegância e sutileza um execrado regime ditatorial, sem fazer proselitismo ou manifesto panfletário, dentro de uma estética renovada, mesclando personagens com desenhos animados. Torna um filme pesado de denúncias numa leveza espetacular, neste fabuloso drama e fortíssimo candidato ao Oscar de 2013.

Infância Clandestina retrata os anseios de Juan pela sua respiração frenética e carregada de tensão, quando busca uma realidade digna para viver com a namoradinha, como bem identificado no convite inverossímil em fugir para o Brasil e curtir as belezas das areias finas serpenteadas de coqueiros das praias tão desejadas. É um sonho que ficou para trás, onde as lembranças atordoam uma realidade dura e repleta de fantasmas da infância perdida, como refletem os desenhos de uma clandestinidade melancólica de seres dentro de um contexto de irracionalidade de um regime confrontado com a intransigência paterna soando como metáfora da desunião entre irmãos de uma mesma nacionalidade.

O Homem da Máfia

A Realidade Americana

O cineasta neozelandês Andrew Dominik concorreu como melhor diretor no Festival de Cannes deste ano com o filme O Homem da Máfia, novamente em parceria com o ator Brad Pitt. Antes, a dupla trabalhou no surpreendente faroeste O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford (2007). Agora o tema é a máfia com os jogos e as grandes transações corporativas do mundo do crime.

O drama tem como cenário a cidade de Boston, numa trama escabrosa de um assalto a um jogo ilegal de pôquer, bem protegido pelos senhores da máfia americana. Mas os alicerces da organização protetora são sacudidos por um roubo de uma cifra milionária de valores em espécie. O assassino profissional Jackie Coogan (Brad Pitt) é contratado para investigar e desvendar o caso. Ou seja, fazer uma faxina à sua maneira peculiar de um homem frio, calculista e extremamente profissional, onde sua marca registrada é ser implacável com os criminosos. É respeitado e temido pela coragem, astúcia e inteligência acima da média. Pitt está soberbo na interpretação de um matador estiloso que aos poucos abandona realizações comerciais do passado, ingressando definitivamente em obras autorais.

Além de dirigir, Dominik é o responsável pelo roteiro que é baseado no livro de Cogan’s Trade (matar suavemente), de George V. Higgins, publicado em 1974. O elenco está impecável com o ótimo James Gandolfini, da série Família Soprano, no papel de Mickey, o beberrão e mulherengo parceiro decadente de Jackie; Ray Liotta interpreta Markie, o suspeito do golpe; Sam Sheppard foi indicado ao Oscar como Dillon; o advogado (Richard Jenkins) faz as tratativas; e os espetaculares ladrões Russel (Ben Mendelsohn) e Frankie (Scott McNairy) completam o grupo de astros.

O longa mostra as armadilhas que o assalto proporciona com Jackie tentando através de artimanhas próprias não melindrar os grandes chefões mafiosos que querem discrição e eficiência, com investigações sigilosas e adequadas para não causar alarme e perda da credibilidade. Tudo é negócio e nada de amizades, para dar mais medo no espectador. Há um banho de sangue, característico neste gênero de filmes, com cenas bem elaboradas em câmera lenta, mesma forma como foi o início de Anticristo (2009), de Lars von Trier, seguindo a escola do genial cineasta americano Sam Peckimpah, morto em 1984, chamado pela crítica conservadora de "poeta da violência", pelo seu modo de filmar sequências violentas em slow motion, embora sempre dentro de um contexto estético, notabilizou-se como um referencial na arte de produzir e encarar a morte com suas nuanças nos pequenos e mínimos detalhes, como em Meu Ódio Será Sua Herança (1969).

Mas Dominik vai mais longe na audácia, ao colocar uma trilha sonora suave e delicada, mesclando sangue com cérebro espatifado, cápsulas de cartuchos sem sonorização dos tiros nos vidros do automóvel rompidos pelos estampidos surdos e melancólicos. Uma aula de cinema com tensão pura e alegórica da realidade americana sendo contrastada pelos discursos vazios de Bush, e de Obama na disputa eleitoral com John McCain em plena crise econômica de 2008. Enquanto os líderes políticos falam num país que vive como uma grande comunidade, a realidade é bem diferente e mostra cada um por si, num salve-se quem puder, em um clima de competição e morte, como salienta o protagonista no epílogo. Soa como um desabafo não só como uma cobrança pelo que se vive e como são as coisas no dia a dia numa atmosfera de instabilidade.

O Homem da Máfia retrata a organização ilegal sendo testada, bem como nos governos implantados nos EUA. Não há segurança e nem fidelidade com os súditos num mundo corrompido e corroído pelo dinheiro e poder, onde a malícia ardilosa e a inverdade se incorporam neste fabuloso drama sobre a dura existência de um povo abafado por um patriotismo estrábico e irreal, desencadeando uma irrefreável onda de violência decorrente da incivilidade atordoante de uma nação contraditória e bélica de suas raízes. Revela-se com singularidade a demonstração de um cinema de autor.

Curvas da Vida

Reconciliação Familiar

Robert Lorenz estreia atrás das câmeras com Curvas da Vida, dirigindo Clint Eastwood no papel bem construído de Gus, um caçador de talentos para um clube de beisebol de Atlanta, que está envelhecendo e corroído por uma cegueira parcial, mas não quer parar e ainda acha que tem muito para dar. Eastwood está com 82 anos e foi dirigido pela última vez em Na Linha de Fogo (1993), de Wolfgang Petersen. Nestes últimos 20 anos sempre atuou e dirigiu, tendo Lorenz entre tantos que colaborou e produziu os longas Menina de Ouro (2002), Além da Vida (2010) e J. Edgar (2011).

O drama retrata a relação entre Gus, um pai ausente e complicado, com a filha Mickey (Amy Adams), uma advogada promissora que acabara de ingressar numa grande sociedade, perde espaço e cria um desgaste na empresa, ao afastar-se para cuidar do pai e acompanhá-lo discretamente em mais uma jornada de trabalho na Carolina do Norte. Há um conflito familiar com marcas do passado quando faleceu a mãe, tinha somente 6 anos e Gus deixou-a com um tio distante e sem dar explicações, numa situação que para ela era insólita. Teve transtornos emocionais e frequentou por muitos anos sessões de terapia, decorrentes do fato atípico para uma criança que vê a mãe morrer tão cedo e o pai sumir.

O protagonista é um bronco e ranzinza ao melhor estilo de Eastwood, como bem caracterizado em Walt Kowalski, um velho polaco veterano de guerra, no filme Gran Torino (2008). Não aceita conselhos de ninguém, sequer do melhor amigo Peto (John Goodman) e muito menos da filha. O longa mostra um personagem envelhecendo que não aceita e se nega a administrar a terceira idade, acarretando em problemas profissionais complicados, como a própria prorrogação do contrato que está por expirar em 3 meses. Mas o filme não é só problemas, pois a garota conhece um ex-jogador (Justin Timberlake) descoberto pelo pai, mas por problemas físicos abandonou a careira e sonha ser um grande narrador. Logo dá a liga e o namoro engata e é saudado com satisfação pelo sogrão, que zela da filha agora como não cuidara quando criança.

Curvas da Vida mostra uma filha de nariz empinado e teimosa, igual ao pai, onde o relacionamento da advogada com o velho sorumbático começa a se decifrar, após várias tentativas de aproximação por parte dela, onde o enigma da infância é relatado de forma simples e sem maiores emoções decorrentes de traumas possíveis, como se tudo fosse um fato corriqueiro e sem consequências. A confissão e os esclarecimentos são fundamentais para o reatamento da confiança e do vínculo entre os dois.

Lorenz mostra discreta inspiração e uma profundidade rasa na abordagem do tema proposto. É um filme denominado drama, mas está mais para uma comédia dramática familiar com algum gosto, embora o pouco tempero no sabor, ao melhor estilo americano de happy end. É para ser assistido sem muito compromisso, desde que não seja levado com relevância, pois nem o novo e desastrado olheiro conseguiu desbancar o cavaleiro solitário de suas andanças pelos campos de beisebol. Ver Eastwood com o rosto empedernido, soltando um discreto sorriso após um choro compulsivo no cemitério, sempre é salutar, ainda mais que ele anunciara a aposentadoria recentemente, mesmo que numa película de um roteiro sem nenhuma inovação, com uma boa fotografia. Tudo bem simplesinho, previsível da primeira até a última cena, sem metáforas, alegorias ou alguma situação embaraçosa para ser refletida, exceto que a experiência do homem jamais será suplantada pela tecnologia.

Laurence Anyways

Dolorosa Transformação

O diretor canadense Xavier Dolan, de apenas 23 nos, surge com seu terceiro longa-metragem Laurence Anyways, que esteve na 36ª Mostra de Cinema de São Paulo e na Mostra Um Certo Olhar do Festival de Cannes deste ano. Conquistou seu público com a extraordinária estreia confessional Eu Matei a Minha Mãe (2009), onde um rapaz de 17 anos com gosto kitsch, usa roupas bregas, aparenta não amar a mãe, embora sua relação edipiana seja visível, mas a contempla com desprezo. Os mecanismos de manipulação e a culpa utilizados por ela também não lhe passam despercebidos, tem um ódio fora do seu controle. Confuso, vaga por uma adolescência marginal e típica, repleta de descobertas artísticas, experiências ilícitas, amizades e se assume como homossexual. No segundo longa Os Amores Imaginários (2010) é um desastrado filme mais leve e engajado na causa gay. Ou seja, uma pequena apologia para tentar manter um relacionamento num típico ménage à trois, colocando no centro da proposta de um "homo", um "bi" e um "hétero", deixa a desejar como uma obra mais reflexiva, e talvez, devesse ser mais comprometida com uma análise e crítica mais aprofundada.

O terceiro drama de Dolan mostra os paradoxos da existência humana, onde Laurence (Melvil Poupaud) enfrenta situação delicada da troca de sexo com a noiva Fred (Suzanne Clément- merecido o prêmio de melhor atriz na Mostra Um Certo Olhar de Cannes). Eles vivem um grande e louco amor, completamente fora dos padrões, durante os anos 90 e a trajetória os acompanha por 10 anos. A felicidade aparente de seus sorrisos num mundo heterossexual esbarra na notícia do rapaz, de que pretende fazer uma cirurgia para trocar de sexo, numa guinada de rumo do filme já em seu início, numa convicção forte do personagem que quer virar mulher e logo começa a se vestir como se imagina.

O filme apresenta uma noiva companheira e disposta em ajudá-lo, depois de restabelecer-se do choque, comprando toda a indumentária feminina, inclusive uma peruca. Mas não vivem dias fáceis, como mostra a cena do restaurante, ao refletir o preconceito da velhinha com o modo de vestir-se efeminado do transformista. Fred explode de raiva, num misto de raiva e descontrole emocional pelas piadinhas e gracejos por onde anda, associada com a demissão do companheiro no trabalho aflorados pelo preconceito sexual notório. Corrobora ainda a mãe de Laurent (Nathalie Baye), que num primeiro momento tenta evitar o filho, abandonando-o em seus conflitos interiores que passam a conviver com os fantasmas que dilaceram sua alma. O pai doente é usado pela mãe em esfarrapadas desculpas pela rejeição sem dó e piedade.

O drama mostra a cena da violência estampada na agressão física no bar por um homofóbico, agressão verbal no restaurante que cala no fundo da alma com o paradoxal amor enlouquecido pela noiva. É inevitável os rumos diferentes tomados pelos protagonistas, mas na realidade nunca se afastam totalmente, pois o vínculo da união é mantido e do por que da metamorfose? Há uma realidade de idas e vindas, construção e rompimento do casal.

Uma película que reflete um misto de inconsciência e dúvida aparente surgidas na trama, mas a convicção pela transformação e seu desejo de ser mulher colidem frontalmente com a grande paixão de sua vida. Nem a aproximação com um casal que vive em condições semelhantes supre o dilema, pelo contrário aumenta mais a tensão. Fred desabafa e se diz heterossexual, causando mais confusão na cabeça do noivo, que fica dividido e no meio do caminho, pois não ama nenhum homem e sequer pensa em se relacionar com um deles, mas o conflito cresce por não desejar o afastamento de sua paixão feminina.

Laurence Anyways busca o paradoxal contraste como forma de análise, onde não há pretensão pela solução de um cineasta assumidamente gay, mas embora engajado numa causa. Não acena com facilidades demagógicas para problemas complexos como a força do desejo sendo mais forte do que manter os laços de união. Já a opção por planos-sequência longos com a câmera estática e com os personagens distantes como metáfora do afastamento da realidade social neste bom e perturbador drama de reflexão dos costumes e do moralismo abordados com razoável profundidade.

Argo

O Resgate

Ben Affleck dirige Argo em seu terceiro longa-metragem, sendo os anteriores Medo da Verdade (2007) e Atração Perigosa (2010). Também atua e é sofrível como o agente da CIA Antônio Mendez, com aquela cara de paspalho mimado misturado com canastrão. Bem que o protagonista merecia um ator mais carismático e de uma razoável dramaticidade, pois assim o papel teria crescido muito mais, diante da pálida interpretação de Affleck que atrás das câmeras é bem melhor.

O drama policial tem como ponto de partida o Irã, em 1979, sob o governo do Aiatolá Khomeini, que recém assumira o poder e já determina o sequestro dos diplomatas americanos que acabam se refugiando clandestinamente na Embaixada do Canadá, depois de fugirem do reduto dos EUA. Se fossem presos poderiam ir à forca no temido regime do presidente empossado pelo povo que antes derrubara o xá Reza Pahlevi, que se exilou nos Estados Unidos, despertando mais ódio e uma fúria ensandecida nos iranianos.

A trama tem bons momentos cinematográficos, como a invasão da embaixada americana no Teerã fazendo diversos reféns presos e isolados do mundo por mais de um ano em total incomunicabilidade, causando furor no governo de Jimmy Carter, que chegou a ordenar um resgate forçado, mas somente tornado público no governo de Bill Clinton. Porém rendeu-se ao plano de Mendez que articulou uma saída aparentemente inverossímil e temerária, ao montar uma equipe fictícia de cinema para realizar um documentário nos principais pontos turísticos da Capital do Irã. Há a prestimosa ajuda do maquiador John Cambers (John Goodman), mestre dos efeitos especiais e ganhador de vários prêmios na categoria, como no longa O Planeta dos Macacos (1968); e do produtor Lester Siegel (Alan Arkin), obedecendo as ordens do chefe maior Jack O’Donnell (Bryan Cranston). A dupla Cambers e Siegel está muito bem nos grandes momentos hilários do filme, com uma dose de ironia fina e sutil nos diálogos.

O filme mostra uma missão arriscada do agente da CIA que atuou por 27 anos no Oriente Médio, com chances remotas de alcançar um total sucesso, mas assim mesmo é colocado em prática o plano mirabolante para deleite do espectador, numa montagem eficiente e com cenas eletrizantes, tendo um respeitável amparo musical de uma trilha sonora elogiável, com as participações de bandas consagradas como Led Zeppelin e Van Halen. A reconstituição de época é impecável, tanto no figurino como num cenário típico e convincente da década de 70.

Mas o longa apresenta equívocos como o heroísmo desbragado americano insuflado pela paixão nacionalista sem limites, numa louvação de enaltecimento desproporcional, mesmo após o epílogo. Há uma singela homenagem ao Canadá, país que foi fundamental para a epopeia do resgate dos diplomatas americanos em território iraniano, agasalhado pelo roteiro tendenciosamente maniqueísta de Chris Terrio, que se baseou num artigo publicado pelo jornalista Joshuah Bearman.

Em Argo não dá para dizer que há um componente meramente apelativo nas cenas de suspense, pois possui um clímax bem aprimorado e a trajetória do filme é instigante e leva para um final angustiante. Talvez aí o mérito maior de Affleck com a tensão sendo mantida em dose equilibrada, intercalada com algum humor para descontrair, mostrando que tanto na política como no cinema o que importa fundamentalmente é iludir e convencer, como estabelece as normas de Hollywood e a CIA. A representação dos políticos mentirosos faz parte do sistema e contexto, excetos os atos de heroísmos excessivos, chega a ser um bom e instigante filme, que mescla com ironia uma realidade advinda da ficção. Tudo soa falso e aos poucos vai virando uma contraditória verdade.

Gonzaga- De Pai Pra Filho

Conflito de Gerações

Breno Silveira em seu terceiro longa-metragem realiza um comovente drama familiar mesclado com uma cinebiografia musical que vai direto ao coração do espectador na busca da emoção, sobre a relação conflitada do pai Luiz Gonzaga, o Gonzagão, o Rei do Baião, com seu filho Luiz Gonzaga Filho, o Gonzaguinha, um dos maiores compositores e cantores da música popular brasileira de todos os tempos. Conduz no mesmo estilo do excelente e cultuado 2 Filhos de Francisco (2005), ao abordar a trajetória da vida e obra da dupla Zezé di Camargo e Luciano até chegar ao estrelato e afasta-se do penúltimo longa À Beira do Caminho (2012), onde fracassou ao deixar o pieguismo e a emoção fácil corroborados por soluções previsíveis.

Gonzaga- De Pai Pra Filho é baseado na biografia de Regina Echeverria e o diretor preferiu contar o filme na forma mais tradicional possível, intercalando ocasionalmente cenas de documentários antigos com fotos, entrevistas e vídeos, o que faz perder a clímax do longa. Opta por usar três atores para cada personagem nas fases diferentes da vida. Gonzagão é interpretado por Land Vieira, na adolescência, Nivaldo Expedito de Carvalho/ o Chambinho do Acordeom, já adulto, e Aurélio Lima, mais velho. Chambinho se destaca por seu carisma e entrega musical, embora com poucos recursos dramáticos, é promissor na carreira, pode crescer muito e demonstrou ter potencial. Deixa seu personagem bem próximo do público e torna fácil de entender sua personalidade forte e difícil como um homem fanfarrão e brigão por vezes. Já Júlio de Andrade, com sua semelhança física incrível com Gonzaguinha, está ótimo e constrói um protagonista fragilizado e sensível que vai até o Sertão buscar a reconciliação com o velho pai na década de 80. Antes fora interpretado na fase de criança por Alison Santos e como adolescente por Giancarlo Di Tommaso.

Silveira tem na parceira dos filmes anteriores a roteirista Patrícia Andrade, uma trama focada eminentemente na vida conturbada do cancioneiro famoso com o filho que buscava seu espaço musical, depois de uma infância terrível, pois perdeu a mãe (Nanda Costa) muito cedo de tuberculose e foi criado por pais adotivos (Luciano Quirino e Silvia Buarque). É internado num colégio do interior por Gonzagão para estudar e virar doutor, convalesce também da mesma doença que vitimou a mãe, mas se safa e vai embora ao som da bela canção “Com a perna no mundo”. Sofre rejeição da madrasta e não tem apoio familiar, sequer do péssimo pai que nunca encontra e parece quer sempre se livrar dele.

O longa mostra o Rei do Baião como um pai e marido ausentes, voltado para sua música de forró e cantando: “minha vida é andar por este país...”, embora como pessoa fosse sujeito quase que irascível, filho de seu Januário (Cláudio Jaborandy), grande sanfoneiro que lhe inspirou para a carreira. Sofreu preconceito racial na juventude ao tentar se casar com a filha do coronel Raimundo (Domingos Montagner), o grande e eterno amor de sua vida e cenário do encontro com Gonzaguinha que tenta entendê-lo melhor. É ameaçado de morte e ouve o conselho da mãe e vai embora de Exu, uma cidade do Sertão de Pernambuco. Serve no Exército e ao ir lutar na Revolução de 1930, simula uma situação estranha para ser preso e abandonar o quartel, pois prometera ao genitor que jamais mataria alguém. Sua juventude é difícil no Rio de Janeiro, custa para deslanchar como o mestre cancioneiro nordestino, tentando se livrar de tangos sambas, valsas e choros. A carreira vai explodir bem depois, na sua volta às raízes, especialmente com o clássico Asa Branca, em a parceria com o advogado cearense Humberto Teixeira (protagonista do documentário O Homem que Engarrafava Nuvens (2009), de Lírio Ferreira).

O drama aborda o relacionamento difícil com a cantora e dançarina que origina o nascimento de Gonzaguinha. Fica no contexto a incógnita se realmente é o pai daquele menino, pela carreira extrovertida da companheira. Teria havido traição, tal qual no romance Dom Casmurro, de Machado de Assis, onde Capitu traiu ou não Bentinho com seu melhor amigo? Gonzaguinha não deixa passar em branco a dúvida e questiona o pai de microfone em punho gravando como se fosse uma entrevista, numa cena de constrangimento para ambos. O silêncio na resposta mostra a dúvida, mas logo vem a resposta dissimulada: “tanto faz se o sangue corre ou não das veias...”.

O diretor deixa para o epílogo a cena dos dois subindo juntos no palco, no ano de 1981. Em 89 morre o Rei do Baião e um ano e meio depois Gonzaguinha desaparece tragicamente num acidente de carro, como por ironia do destino. É um equívoco do roteiro o didatismo e a explicação desnecessária passo a passo, como se fosse uma telenovela global. Mas o encontro de pai e filho discutindo a relação do passado, onde Gonzaguinha conhece fatos que não imaginava existir entre eles é o ponto alto da trama, numa verdadeira lavagem das dúvidas do passado e do conflito de gerações entre os dois grandes artistas.

Há uma busca do cineasta pelo resgate do velho cancioneiro do baião e do forró, mas há falhas graves do roteiro, como não mostrar sua simpatia e o apoio de forma explícita pelo governo da ditadura, deixando apenas escondidos nas entrelinhas dos banquetes dos militares, sob a pífia argumentação que fazia isto apenas para ganhar dinheiro e chamava o filho de autor de músicas comunistas. Outro equívoco é Gonzaguinha não chega ser aclamado como célebre e notável compositor que foi, com suas músicas contestadoras do regime de exceção da época, um mestre das metáforas de suas canções sutis e arrebatadoras. Um artista emblemático com suas canções que cutucavam as forças governantes, por isso perseguido nos anos de chumbo. Um tributo que bem poderia ter sido melhor elaborado.

E Agora, Aonde Vamos?

A Força Feminina

Vem do Líbano, em coprodução com a França, Egito e Itália, de 2011, o segundo longa-metragem provocante de Nadine Labaki, onde também atua como a protagonista Amale, com sua beleza estonteante de grandes olhos verdes, cabelos negros compridos, lembrando Penélope Cruz. Já havia encantado com a comédia dramática Caramelo (2007), filme de estreia atrás das câmeras como uma diretora inteligente, sobre os problemas pessoais de cinco mulheres que tinham por referência seus trabalhos e encontros assíduos num salão de beleza, em um aconchegante bairro de Beirute, onde conversam francamente, sem preconceitos ou mentiras para um questionamento amargo, buscando o sentido do cotidiano da vida.

O tema sobre os conflitos pessoais das mulheres está de volta e em grande estilo no E Agora, Aonde Vamos?, vencedor do Prêmio do Público no Festival de Cinema de Toronto e representa o Líbano no Oscar de melhor filme estrangeiro. Centrado num contexto de um país devastado pelas constantes guerras como pano de fundo para a sua reconstrução, sob o abrigo do fanatismo religioso e os conflitos entre cristãos e muçulmanos que desencadeiam situações de beligerância frequente.

Recentemente foi visto o extraordinário filme Incêndios (2010), do canadense Denis Villeneuve, numa abordagem profunda sobre os dilemas, intolerâncias nefastas e devaneios das múltiplas guerras oriundas de divergências implacáveis, principalmente entre cristãos e muçulmanos, num cenário que indicava fosse o Líbano, pelas constantes desavenças entre os povos irmãos, porém divididos pela nem tão singela opção religiosa, onde se estabeleceu um conflito interminável que gerou uma guerra civil de 1975 a 1990, num derramamento de sangue desnecessário se houvesse bom senso, mas que diante de uma desavença exacerbada que resultou em mais uma tolice absurda naquela região conflitada.

Labaki também dá indícios de ser o cenário no Líbano, bem como Villeneuve em Incêndios, em ambas as tramas, as cenas são construídas meticulosamente, desde um início em que já se pressupõe que a violência está arraigada naquele lugar. No drama canadense há a estúpida execução pelos futuros cunhados do jovem ativista que engravidou a namorada e o filho que nasceu sob a égide do ódio e da barbárie, fruto de uma bestialidade descabida, numa ciranda de ódio que se transformou em vingança e uma dor que verterá e o possuirá por todo seu corpo e alma combalidos.

Já na comédia dramática da diretora libanesa, um grupo de mulheres cristãs e muçulmanas vive numa aldeia isolada e perigosa unem-se para pacificar os homens que estão se matando como bestas humanas disfarçados de idiotas guerreiros, mas que não levam a lugar nenhum. A sacada da cineasta é magistral, quando no filme as fogosas dançarinas ucranianas são recrutadas para acalmar os violentos machos imbecis. Para isto comem bolinhos caramelados com haxixe, deixando-os numa letargia de homens prostrados e bobalhões. Há ainda a instigante cena do prefeito tentando conciliar seus munícipes, com a prestimosa colaboração da esposa e os supostos milagres forjados na igreja da santa que chora sangue, como metáfora da morte da população daquele lugar.

Labaki inverte os papéis religiosos em outra cena reveladora, como uma tacada definitiva na trama, tudo para obter a almejada trégua na guerra entre irmãos do mesmo povo diferenciados somente pela incivilidade de uma causa religiosa fanatizada, numa sátira esplêndida do milagre e da união entre rivais pelo antagonismo oriundos de seitas e ramificações do islamismo de Alá com o Deus dos cristãos.

E Agora, Aonde Vamos? mostra a tragédia libanesa por uma forma mais leve, mas não menos cruel, assim como no longa anterior Caramelo os personagens flutuavam, neste há o conflito permanente, porém sempre mostrando a intolerância viciada dogmática como algo abjeto e inconsequente, mesmo que para isto a protagonista tenha seu romance truncado pelas diferenças religiosas, tornando-se proibido pelas contingências. Não é à toa que vê o sofrimento da mãe escondendo o cadáver do irmão dentro de um poço, morto por vingança, para evitar novos derramamentos de sangue, numa cena comovente e arrebatadora sob o ponto de vista da luta pela paz, pelo olhar feminino e a força eloquente da mulher, como características marcantes da diretora, nesta fabulosa comédia como um obra maior na sua temática, inscrevendo-se desde já como uma das 10 melhores realizações neste 2012.

Elefante Branco

Mosaico Debilitado

Encerrada a grandiosa 36ª. Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, com ótimos e inesquecíveis filmes, voltamos à realidade porto-alegrense. Para começar temos Elefante Branco, exibido na mostra paralela do Festival de Cannes deste ano, dirigido por Pablo Trapero, que gosta de abordar situações cotidianas e sociais de uma maneira crua e fria, sem grandes alegorias e metáforas. Assim foi com o excelente Leonera (2008), talvez seu melhor e mais profundo filme, discutindo sobre o sistema prisional argentino de uma detenta grávida e as consequências nefastas para os filhos recém-nascidos naquele lugar inóspito. Outro filme de grande repercussão foi Abutres (2010), tendo também Ricardo Darín no papel principal, com um viés pela inverossimilhança da máfia obcecada pelos prêmios de seguros de acidentes de veículos automotores das vítimas fatais, aproveitando-se das brechas deixadas pelas leis reguladoras do trânsito. Sem esquecer ainda que fizera antes outros belos longas como Nascido e Criado (2006) e Família Rodante (2004).

Agora desponta com esta película que busca inspiração no longa brasileiro Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles. A abordagem é explícita com problemas similares como o tráfico de drogas, brigas de gangues e os subempregos de crianças envolvidas no mundo do crime com muito realismo e expressividade. Trapero busca nas situações múltiplas de temas como a igreja e sua influência no governo para fazer pressão no governo para liberar verbas para a construção de casas próprias no subúrbio de Buenos Aires, na comunidade de Ciudad Oculta, uma favela com problemas estruturais desde a década de 40. O drama tem em seu personagem principal Julián (Ricardo Darín- sempre em atuação elogiável), um padre doente que vai ao encontro do colega Nicolás, também engajado em causas sociais que aparece num massacre de camponeses na Amazônia, bem interpretado pelo carismático ator belga Jéremie Renier, consagrado nos filmes dos irmãos Dardenne, entre eles A Criança (2002) e O Silêncio de Lorna (2008).

O diretor mostra o padre belga se envolvendo emocionalmente com a assistente social Luciana (Martina Gusman- mulher de Trapero), porém sem um aprofundamento maior da discussão do celibato no catolicismo. Um tema interessante que passa quase despercebido dentro de uma complexidade de outras discussões também relevantes. Uma questão que mereceria uma abordagem bem melhor, mas que dá a entender que é natural um sacerdote de Deus ter um romance e não há cobrança de ninguém, sequer da conservadora igreja, o que se sabe não é uma realidade. Surge no enredo a figura emblemática no passado do padre Mugica, morto em circunstâncias desconhecidas há mais de 30 anos e que a igreja, através da liderança de Julián, tenta fazê-lo um santo, por supostos milagres que são colhidos na população. Mas o filme se concentra em boa parte no embate ente a truculenta polícia e miseráveis favelados, lembrando os confrontos existentes nos morros brasileiros da Rocinha e Alemão, no Rio de Janeiro, sob a forte influência da película de Meireles. Peca, por vezes, em alavancar um drama e não se deter como um analista mais mordaz. Já os planos-sequência nos escombros do hospital, bem como dos corredores estreitos das favelas são eletrizantes, deixando os espectadores embasbacados.

Trapero se afasta de suas temáticas anteriores, onde haviam reflexões bem mais profundas oriundas de temas simples do cotidiano. Ao optar pela multiplicidade de temas, como drogas, casa própria, má gestão pública, subempregos, celibato, questões sociais da criminalidade nas favelas pelas mortes do tráfico, massacre de camponeses na Amazônia, acaba por não aprofundar nenhum deles, gerando um mosaico enfraquecido numa narrativa quase que vazia e desconexa. O grande equívoco do diretor foi abordar tudo dentro de um mesmo contexto, pois começa questionando o hospital que deveria ser o maior da América Latina, mas que vira um esqueleto de um prédio gigantesco e inacabado, tornando-se um “elefante branco”. É bem diferente de Cidade de Deus que se debruça de forma nua dentro de uma realidade dura do tráfico de drogas na criminalidade entre os adolescentes brasileiros.

Em Elefante Branco sempre surgem novos fatos que vão se misturando e há uma sobreposição de temas, acarretando numa abordagem reflexiva rasa num longa que vai aos solavancos para o epílogo. O cineasta tem em sua filmografia filmes bem melhores, especialmente Leonera, mas sua proposta não chega ser inválida neste longa apenas interessante, mas longe do melhor cinema argentino.

Mostra de Cinema São Paulo (Um Alguém Apaixonado)

Um Alguém Apaixonado

Abbas Kiarostami demonstra com este excelente último longa Um Alguém Apaixonado, ter se escalado como um dos favoritos para abocanhar o prêmio de melhor filme desta 36ª. Mostra de São Paulo, dando sinais evidentes de seu retorno às origens com uma clara referência aos filmes de sua carreira realizados no Irã. Antes havia fortes vínculos de coautoria com o espectador, o que está de volta num retorno até certo ponto às suas raízes e seu povo, embora o cenário seja Tóquio.

O próprio diretor afirmou na sessão comentada que irá filmar no seu país o próximo longa-metragem. É perceptível com bastante nitidez, se perceber o diretor derivando para um passado de filmes eloquentes na reflexão, embora partindo de situações cotidianas bem simples, quase que corriqueiras, tomando vulto no desenrolar da trama com um envolvimento e a situação complexa no epílogo sem saídas convencionais. Assim foi em Gosto de Cereja (1997), Atrás das Oliveiras (1994), O Vento nos Levará (1999), Onde Fica a Casa do Meu Amigo? (1987) e Close Up (1990). Dá mostras de estar deixando para trás uma momento de ocidentalização como no sofrível Shirin  (2008) e no bom Copia Fiel (2010).

Kiarostami busca novamente entrar no jogo da mentira como um novelo que vai se desenrolando com o andar do filme, o que ocorrera em Cópia Fiel, para discutir-se a relação de um casal conflitado com os problemas decorrentes do desgaste pela convivência da união de duas pessoas que mais pareciam estranhas do que próximas. E havia no meio uma criança perdida e atordoada pelas circunstâncias dos pais.

A trama desenvolvida na sua produção japonesa é muito bem conduzida pela jovem Akiko (Rin Takanashi), uma estudante desinteressada que veio do interior, é ingênua e meio bobinha, faz programas por dinheiro, namora um mecânico ciumento e possessivo (Ryo Kase). A coisa começa a se complicar quando encontra por indicação de um cafetão do bar que frequenta, o idoso Takashi (Tadashi Okuno), um professor de sociologia, escritor e tradutor, que mora nos arrabaldes de Tóquio numa casa-biblioteca, vigiado por uma vizinha que nutre um amor platônico por ele.

Num certo momento, parece que estamos em Teerã, com os velhos filmes de Kiarostami, mas não. O cenário é de cores radiantes que iluminam as ruas e prédios da nevrálgica Tóquio e sua população estressada. Tudo é aparência e um jogo estranho começa a acontecer com o velhinho que ao buscar o prazer pago para aliviar sua solidão, pois é um viúvo que mora absolutamente sozinho. Não tem animal de estimação, vive ente os livros e o trabalho. Prepara um jantar com vinho e sonhos de uma noite grandiosa, mas é truncada pelo sono da jovem inexperiente. Ambos demonstram serem criaturas perdidas, ingênuos e solitários numa Tóquio grandiloquente. Uma relação de avô e neta ou uma noite de prazer de prostituição?

As mentiras começam a ser invocadas entre o professor e o namorado da garota. Uma sucessão de gafes dos protagonistas enseja uma armadilha de explosão no final. Akiko é uma personagem com dúvidas e sem um objetivo maior, embora demonstre arrependimento ao não ir ao encontro da avó que vem do interior. Os enigmas do filme seguem até a cena final, como da relação amorosa do casal, onde os dois são antagônicos e conflitados. O rapaz é o símbolo da paixão desmedida, ela quer mantê-lo, mas não sabe direito por que o ama. Habilmente o diretor coloca os três em situação constrangedora e eivada de contratempos.

Um Alguém Apaixonado se desenrola em 24 horas, mas é abrangente e revelador, como num jogo de sedução e mentiras, solidão e prazer, a prostituição para manter-se numa cidade cosmopolita como Tóquio. Temas estes bem explorados e com a o estilo vigoroso de Kiarostomani, mostrando culpas recíprocas e arrependimentos implícitos, com uma forte dose de amor sem fronteiras transgressor de limites, neste fabuloso e intrigante filme desde seu início até o desfecho em aberto, mas poderoso como reflexão sobre o jogo de mentiras que destroem a civilidade e podem levar à violência desmedida.

Debate em São Paulo

Após a exibição do filme, o diretor Abbas Kiarostami participou de um bate-papo com o público. Recebeu inicialmente o Troféu Leon Cakoff das mãos de Renata de Almeida, viúva do organizador morto ano passado. Durante a conversa, ele falou que sabe sim o que quer dos longas realizados e o que pretende e aonde quer chegar com eles, mas que tendo um produtor, tem que submeter o roteiro pronto a uma supervisão. Perguntado: por que o Japão? Respondeu: por que não o Japão? Logo complementou que neste país todas as circunstâncias convergem e que não poderia ser outro lugar mais adequado. Quanto ao idioma não vê nenhuma problema, pois ele é secundário. Arrematou que não entende português, mas gosta muito do Brasil. Finalmente asseverou que seu próximo filme será no Irã, embora um retorno difícil pelas contingências políticas.

Mostra de Cinema São Paulo (Renoir)

Renoir

Outra grata e gostosa surpresa na 36ª. Mostra de Cinema de São Paulo é este magnífico Renoir, um filme francês com a direção do já experiente Gilles Bourdos. Tem no seu currículo os filmes Disparus (1998), Inquiétudes (2003), e o badalado Depois de Partir (2008), sobre um advogado com um futuro brilhante, mas com sérios problemas em sua vida pessoal, pois sua ex-esposa e filha moram em outra cidade, mas mesmo quase não as procurando, nunca as esqueceu.

Este comovente drama aborda com sensibilidade o final da vida do extraordinário pintor Augusto Renoir (Michel Bouquet- de desempenho irretocável), tendo como cenário a Côte d’Azur, em 1915. Veio a falecer em 1919. O mestre das tintas vive um momento de graves problemas pessoais, atormentado pela morte de sua mulher, lancinantes dores por uma artrite reumática degenerativa e como desgraça pouca é bobagem, é informado da triste notícia que seu filho Jean- ele mesmo, o cineasta Jean Renoir- (Vincent Rottiers) fora ferido em combate na guerra e está retornando manco de uma perna.

Bourdos conduz com elegância a trama, surgindo na vida do velho pintor a linda jovem Andrée (ChristaTheret), tornando-se sua última modelo e fonte de inspiração e rejuvenescimento, decorrente daquela beleza radiante que lhe soa como um bálsamo para continuar vivendo. Mas nem tudo é felicidade, paz e amor. Logo com a volta do filho ao convívio familiar, para recuperar-se dos ferimentos, fica fascinado com a moça e sofre uma forte oposição do pai para o romance.

O drama mostra a ascensão de Jean como cineasta e a influência de primordial de Andrée como atriz e incentivadora de sua carreira e consagradora mais tarde. A modelo fez muitas concessões, brigou muito com as demais moças e criadas da casa dos Renoir. Cutucou o rapaz com vara curta, chamou-e o de filhinho de papai riquinho e questionou sua vontade de servir às forças armadas, numa guerra sem objetivos maiores.

O filme retrata especialmente o velho pintor contrariado com o que acontece na guerra, sua vontade de viver está nos quadros e nas pinturas, refletindo a beleza das mulheres com cores coloridas e do esplendor da natureza, contrariado com Jean que insiste no preto e em ser soldado. Seu principal objetivo, como ele próprio afirmava, era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. No entanto, o talento não começou expresso nas telas, e sim na porcelana, quando trabalhou como ajudante de um pintor e aos 17 anos, trocou os pratos pintados pela pintura em leques e tecidos, que lhe rendia maiores ganhos.

O impressionismo da técnica do pintor no longa está presente na magnífica fotografia. Renoir nunca deixou de dar importância à forma, teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos, no qual se voltou para uma pintura mais figurativa, evidente na longa série Banhistas. Recupera sua pincelada enérgica com motivos que lembram o mestre Jean Auguste Ingres, por sua beleza e sensualidade. A sua obra de maior impacto é Le Moulin de la Galette, em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores, aqui e ali intensamente azuis. Percebendo que traço firme e riqueza de colorido eram coisas incompatíveis, combinando que tinha aprendido sobre cor, durante seu período impressionista, com métodos tradicionais de aplicação de tinta, ricos em traços curtos que intercalavam nuanças de luz e cor. A luz solar aparecia como elemento predominante na sua pintura. O resultado foi uma série de obras-primas bem no estilo de seu mestre Ticiano, a quem admirava e citado no longa, assim como outros pintores que reverenciava como Fragonard e Boucher ele admirava.

Renoir não é somente um filme sobre o final da vida do notável pintor e seus quadros, mas sua relação amistosa e tímida com os quatro filhos, entre eles a única mulher, que busca longe do lar sua trajetória pessoal. Não é um exemplo de pai ou um marido dedicado. Suas ex-modelos queixam-se de serem descartadas como objetos depois de usadas. A doença que lhe corrói seu físico tira-lhe seu humor em muitas vezes, deixando transparecer que também é de carne e osso, tem fragilidades de qualquer mortal.

O diretor concentra sua projeção nos fracassos do ser humano, pois esta não é somente uma película de endeusamento de um mestre como uma poesia lírica. É antes de tudo um vigoroso relato crítico de uma aristocracia com seus problemas familiares, de doença degenerativa, acidentes de guerra, de profissões que se seguem por influências externas e antes de tudo, a vida das modelos pós-beleza e fama num ambiente carregado de certa forma que dão consistência para este excelente drama.

Mostra de Cinema São Paulo (Sonata Silenciosa)

Sonata Silenciosa

Outro filme sem maiores referências que está na 36ª. Mostra de Cinema de São Paulo é este sofrível Sonata Silenciosa, uma coprodução da Eslovênia com a Finlândia e Suécia. É o terceiro longa-metragem do neófito diretor eslavo Janez Burger, que tem em sua filmografia outros dois longas desconhecidos, como o inédito Idle Running (1999) e Ruins (2004).

Este filme sem diálogos é um retrato sobre um cenário de guerra e mortes com a esperança de que a vida possa ter vez e prosperar com a chegada de uma caravana errante do Circus Fantasticus, bem próximo de uma residência e seus traumas. Lá mora um homem solitário acompanhado de seus dois filhos numa casa em ruínas no meio de um campo em estado desolador por consequência dos traumas da guerra. Acaba de morrer a esposa e mãe de seus filhos acidentalmente por uma granada durante uma investida militar feroz. Vive pensando que será atacado novamente e a morte ronda esta família vitimizada pelo terror dos confrontos bélicos.

Um filme sobre os efeitos da guerra e sinais evidentes ainda das bombas explodindo. Nem o tanque de guerra com seu soldado que ousa brincar com os palhaços do circo itinerante consegue escapar de uma certeira pontaria vinda de um inimigo oculto. A explosão violenta que levanta para os ares aquele intransponível carro-tanque é o símbolo da violência exacerbada e fora de controle do homem civilizado. Mas a película tem erros primários como a previsibilidade amorosa do viúvo com uma das componentes circense, bem como a garota órfã de mãe com outro integrante do comboio itinerante. Há a cena fria do passeio pela praia do casal enamorado e o encontro com os corpos dilacerados na areia parecendo normal e servindo de brincadeira e um lirismo ingênuo. Também o excesso da apresentação circense com acrobacias, um homem engolidor de fogo, outro fazendo mágica barata, soa como desnecessária e cai na sonolenta basbaquice.

O cineasta perde o tempo e o momento certo para a ilusão de ótica na simbolizada cena solta no roteiro do velhinho recém-morto. Outro exagero de um iniciante cineasta é a tosse sufocante e tediosa do longo plano-sequência, que não seria realizado por um diretor um pouco mais experiente, pois uma elipse cairia bem e daria o tom correto e digno de uma sequência de melhor qualidade. Burger também se perde com as aparições da esposa em forma de fantasma, pois vinha bem conduzida até a cena da aliança ser jogada para o filho. Uma licença poética tem limites e não pode cair no artificialismo infantil do suposto corte do vínculo matrimonial. É desnecessário tal forçação de barra, com a iminente quebra de credibilidade autoral do realizador da obra.

Um drama mudo, com apenas sons do vento, da chuva, bombas explodindo e da respiração dos personagens angustiados pela guerra seria bem conduzido, se fosse um diretor como Ettore Scola na obra-prima O Baile (1983), dando uma dimensão exata de um país sendo atacado e a resistência francesa sendo massacrada; ou no excelente O Artista (2011), de Michel Hazanavicius, que levou a estatueta de melhor filme e tornou-se o grande vencedor da 84ª edição do Oscar deste ano. Faltou talento de condução para um filme completamente sem diálogos.

Sonata Silenciosa tem jeito de um longa pretensioso dentro de uma trama que tinha tudo para dar certo, porém é jogado fora este bom tema por Burger, que tenta mesclar drama de guerra com uma fábula adulta e o resultado piora ainda mais. Falta estrutura e um pouco mais de emoção e menos artificialismos num cenário de derrocada institucional, com planos equivocados sequenciais e muita previsibilidade para um roteiro sem grandes armadilhas.

Mostra de Cinema São Paulo (A Bela que Dorme)

A Bela que Dorme

O veterano Marco Bellocchio está de volta e em grande forma com outro longa-metragem A Bela que Dorme na 36ª. Mostra de São Paulo. Realizador de entre tantas obras como Em Nome do Pai (1971), Bom Dia, Noite (2003), Irmãs Jamais (2011), e do estrondoso sucesso de público e de crítica Vencer (2010), exuberante ao contar de maneira simples e instigante o lado sombrio da vida de Benito Mussolini, seu passado de rejeição ao filho e abandono total à sua primeira mulher que contribuiu de forma decisiva para sua ascensão.

É seu último trabalho e aborda de forma multifacetada a polêmica sobre a eutanásia e sua complexidade, numa alusão explícita ao controvertido caso de Eluana Englaro, em 2009, na Itália, que teve desligados os aparelhos pelo pai, depois de 17 anos de coma oriunda de um acidente de carro, sendo possível somente com a autorização da justiça.

Bellocchio se debruça inicialmente na análise política, colocando igreja e governo em confronto, deixando o senador Uliano Beffardi (Toni Servillo) com a responsabilidade de uma decisão histórica na mão, pois se votar pela aprovação da lei reivindicada pela sociedade, estará indo contra sua própria consciência, tendo em vista problemas idênticos no passado com a própria esposa. Bate de frente especialmente contra a linha de seu partido e diretrizes traçadas pelo governo vigente sob o comando do demagogo primeiro-ministro Sílvio Berlusconi. Ameaça renunciar para não ter que votar pela derrubada da lei atual contrária à eutanásia, mas vacila e pensa no futuro, sob imensa pressão dos colegas do parlamento com seus velhos truques regimentais antiéticos nas sessões plenárias.

O drama tem outros desdobramentos interessantes como o protesto de Maria (Alba Rohrwacher), filha do parlamentar, uma integrante ferrenha do movimento pró-vida que faz o maior barulho panfletário na porta da clínica em Udine, onde está internada a enferma e pivô da situação. A garota apaixona-se por Roberto (Michele Riondino) que vive como um guardião do irmão maníaco-depressivo, opositores da garota e integrante de um movimento laico que vai noutra linha de raciocínio, numa conduta totalmente favorável à eutanásia.

O filme é complexo e em outra ponta do imbróglio está uma célebre atriz (Isabelle Huppert- sempre uma grande interpretação), que acredita que ambas, Eluana e sua filha, ainda viverão e poderão acordar a qualquer momento, fruto da fé fanática, pois acredita no milagre religioso da cura, por isso luta desesperadamente para salvar sua filha que está em coma irreversível há muitos anos e está como uma boneca na cama. Inclusive sacrificou sua relação de mãe com o outro filho, no intuito de alcançar a graça divina, anulou-se como profissional e deixou em segundo plano também o marido. Na relação das histórias que se convergem, há ainda Rossa (a bela Maya Sansa) que quer se suicidar a qualquer preço, pois entende que sua agonia contra as drogas, a qual é totalmente dependente, tem que terminar. Entende que a morte a libertará, mas o médico Pallido (Pier Giorgio Bellocchio-filho do cineasta) é radicalmente contrário ao desespero de sua paciente e se deixa confinar no hospital em defesa da vida.

O longa tem uma montagem interessante, ao misturar imagens de arquivos dos principais noticiários de telejornais de TV, entre elas algumas entrevistas de Berlusconi, com encenações bem elaboradas do filme. Mas as elipses são abruptas e cortam o clímax do enredo no prólogo, com cortes desnecessários e sem um critério apropriado nas diferentes linhas narrativas, deixando o espectador meio que perdido pela confusão de personagens que entram e saem a esmo.

O tema por ser contraditório, faz Bellocchio não se posicionar, deixando nas entrelinhas uma contrariedade implícita. Talvez por não querer se incomodar com a igreja, deixa tudo meio que no ar, completamente oposto a Mar Adentro (2004), de Alejandro Amenábar, que aborda de forma direta e contundente um homem que luta para ter o direito de pôr fim à sua própria vida. Lúcido e inteligente, luta na justiça pelo direito de decidir sobre seu destino, o que lhe gera problemas com a igreja, a sociedade e até os familiares.

A Bela que Dorme tem alguns problemas estruturais de continuidade numa montagem confusa, porém é uma obra até certo ponto de alguma coragem, com um controle emocional sob medida. Deixa em aberto a questão da eutanásia, se cabe ou não. É um tema polêmico que vai amadurecendo lentamente e as respostas são as mais diversas. A igreja católica com seu poder é contra, os políticos vão para aonde o vento soprar, bem ilustrado pelo psiquiatra à beira da piscina, enquanto isto fica uma indagação sobre o sentido da vida vegetativa ou a morte.

Mostra de Cinema São Paulo (A Caça)

A Caça

Thomas Vinterberg em parceria Lars von Trier, em março de 1995, em Copenhague, lançaram um manifesto cinematográfico internacional denominado Dogma 95, um movimento estético, exatamente no centenário de nascimento da sétima arte. Começa com a publicação de dez regras de ética e valores, conhecidos como voto de castidade, tendo como o objetivo principal o resgate de um cinema mais realista e menos comercial, anterior à exploração industrial de Hollywood, caso aprovado pelos seus membros, recebe o Certificado Dogma 95. Foi a mais inventiva escola, depois da celebrizada Nouvelle Vague.

Von Trier dá a partida com Os Idiotas (1998), segundo filme do movimento, depois vem Dançando no Escuro (2000), com o Palma de Ouro em Cannes de melhor filme, consagra o Dogma 95 com o extraordinário Dogville (2003), que tem sequência com Manderlay (2005), também em grande performance e fiel ao seu estilo proposto de um cinema mais simples, sem muita luz artificial e com cenários externos exclusivamente. Mas foi Vinterberg que recebeu o selo nº. 01 de certificado Dogma 95 para seu filme Festa de Família (1998), que mostra uma sessão de terapia coletiva, revelando ressentimentos e aflorando fortes revelações num aniversário. Fracassou com Dogma do Amor (2003), melhorou muito e cresce com Querida Wendy (2005). Retornou com vigor e todo seu fôlego em Submarino (2010), deixando definitivamente para trás o movimento que criou, numa trama bem urdida de dois irmãos com grandes recordações e feridas abertas de uma infância conturbada pela tragédia da perda do caçula e, sobretudo, pela convivência diária com a mãe alcoólatra e agressiva com seus dois filhos maiores. Símbolo de um lar desestruturado e destroçado pelo vício e a morte rondando permanentemente.

Agora na 36ª. Mostra de Cinema de São Paulo deste ano lança A Caça, que tem uma trama centrada em Lucas (Mads Mikkelsen- impecável na interpretação) que acaba de se divorciar, com 40 anos, arruma um emprego numa creche de crianças até 6 anos, reconstrói sua vida com uma nova namorada e aos poucos vai conquistando a confiança do filho adolescente Marcus.

O grande mote do filme é a mentira e a injustiça que se faz sem provas concretas contra um homem inocente, não paira nenhuma dúvida para o espectador sentado na cadeira do cinema, mas a bola de neve que se espalhou contra Lucas é praticamente irreversível e o mal-estar vai tomando conta dos personagens envolvidos, inclusive o pai da suposta vítima e melhor amigo do acusado explode em fúria. Cria-se uma atmosfera de violência e vingança com o passar do tempo.

Vinterberg deixa propositalmente que o espectador saiba da inocência e a perversidade perpetrada contra aquele funcionário subalterno vitimizado pelo sistema feudal de bárbaros, tornando sua vida um inferno de Dante. É considerado por todos os pais como um bandido inescrupuloso, tomando conta a notícia após ser preso e responder processo. Espraia-se na comunidade pequena do interior da Dinamarca como uma rajada vinda de uma metralhadora giratória, inclusive com forte reação de truculência pelos empregados do supermercado. Um drama pessoal falsamente engendrado e levado em frente pela afoita diretora do estabelecimento, sem demonstrar qualquer cautela ou investigação preliminar, antes de imputar a culpa a seu subalterno de abuso sexual de uma criança, considera como definitivo o depoimento de uma menina de 4 anos.

O filme aborda a questão de forma transparente e coloca em xeque a crença de que crianças não mentem. A perversidade está nos rostos contraídos de cada pai e Lucas sofre indubitavelmente um linchamento moral sem precedentes, contrastando com a nevasca que cai e as luzes que iluminam o Natal, uma data de redenção e de amor, mas que passa distante daquele lugar. Ou seja, a infância não é um paraíso de inocência como pensam os pais. Freud constatou que os supostos ataques sexuais quase sempre existiam na imaginação dos pacientes e longe de uma realidade de pervertidos. Portanto, cuidado e muita cautela para o que as crianças dizem, pois não tem compromisso com a verdade.

A Caça lança para a plateia atônita que as evidências hipotéticas de um suposto crime não podem ser julgadas como definitivas, embora haja uma pequena verossimilhança e um induzimento contrário ao acusado. Lembram do caso de repercussão nacional da Escola de Base de São Paulo, onde a imprensa acusou, julgou e condenou sumariamente os proprietários daquele estabelecimento, sendo depois todos absolvidos pela justiça.

Um drama contundente sobre os preconceitos contemporâneos e de pressão de uma casta dentro de uma comunidade conservadora e caolha sobre os direitos e princípios morais do indivíduo acuado e liquidado moralmente para a eternidade como se depreende da última cena da caçada no mato. Um instigante olhar reflexivo da injustiça pelo julgamento apressado, porém dilacerante nesta estupenda película dinamarquesa sobre a dignidade.

Mostra de Cinema São Paulo (Shun Li e o Poeta)

Shun Li e o Poeta

Um filme surpreendente na 36ª. Mostra de Cinema de São Paulo é este fabuloso Shun Li e o Poeta, que procede da Itália em coprodução com a França, abocanhou três prêmios no Festival de Veneza deste ano, tem na direção o promissor Andrea Segre. Tem em sua filmografia filmes como Marghera Canal do Norte (2003), Che Cosa Manca (2006), La Mal’ombra (2007), A Sud di Lampedusa (2007) e Como um Homem Sobre a Terra (2008), participou da 33ª. Mostra de São Paulo.

Este longa é um retrato sobre o preconceito racial, a intransigência e, sobretudo uma solidariedade em forma de uma grande amizade despida de sexo. Há pureza e sensibilidade no relacionamento entre dois seres que trilharam o mesmo caminho da imigração por vias da transgressão. O orgulho ferido e a desconfiança estão presentes em meio ao clima de poesia e beleza plástica fascinante do lugar.

Shun Li (Zhao Tao- de boa atuação) é uma chinesa que foi transferida de Roma, onde era costureira, para Chioggia, uma pequena ilha de pescadores na região do Vêneto, para trabalhar num bar, à beira de um rio, onde estão ancorados os barcos de diversos tipos e tamanhos dos nativos dali. Sofre inicialmente com a comunicação, pois fala apenas sua língua e até a aprender o idioma italiano há bastante dificuldade, mas se esforça muito. Sua vida é só trabalho e a cobrança existe de seus chefes chineses, que nunca dizem quando trarão seu filho menor da China. Não sabe quanto deve e se haverá realmente o reencontro, diante das precárias informações, apenas lhe resta submeter-se em decorrência da sua ilegalidade daquela imigração.

O cineasta habilmente estabelece um vínculo de amizade da chinesa com o velho pescador Bepi, conhecido como o Poeta (Rade Sherbedgia- em desempenho irretocável). Uma pessoa de bom coração que desconhece as origens de seu pai, apenas lembra que está ali há 30 anos, vindo da extinta Iugoslávia, ainda sob o regime comunista de Tito e estabelecem um paralelo sobre o governo de Mao Tsé-Tung, embora sem aprofundar-se em causas e efeitos, que estão subliminarmente nas entrelinhas. A trama mostra que Shun Li também tem seu poeta no seu país natal, fala das reverências que são feitas nas águas em qualquer lugar para comemorar seu dia. É inevitável o surgimento de um vínculo de afeto naquela relação sensível e calorosa de sutilezas para os espíritos solitários, mas que botam fé no objetivo a ser buscado.

Há cenas de radiante lirismo como a visita de Shun Li num barco pesqueiro até a cabana fincada no meio do rio, onde Poeta mora e guarda seus apetrechos de pesca. Ali há as confissões singelas da jovem e sua história comovente para reencontrar o filho ausente e toda a tristeza que habita seus olhos, coração e alma. Logo surgem rumores maliciosos e preconceituosos de que uma máfia de chineses usaria garotas para casarem com os velhos e herdarem terras e bens, com o intuito de tomarem conta de redutos italianos. Um filme que aborda no truncamento da relação de amizade pueril entre duas criaturas opostas apenas pelas raças e idades, mas próximas por um vínculo de solidariedade e despidas de preconceitos, onde a truculência se instala e eclode sob o manto da intransigência racial, fruto de uma xenofobia escarrada, com hostilizações animalescas a pessoas de cores e idiomas diferentes.

Numa analogia que deve ser ressaltada, o cineasta finlandês Aki Karismäki ambienta com bastante eloquência este tema no filme O Porto (2011), na cidade portuária Le Havre, na gris e sorumbática região da Normandia, retratando a solidariedade e a amizade aos imigrantes que desembarcam clandestinamente na França, sendo mais otimista que Claire Denis no instigante longa Minha Terra, África (2009); ou do arrasador O Segredo Grão (2007), do tunisiano Abdellatif Kechiche; ou ainda do contundente Cachê (2003), de Michael Haneke; sem esquecer de O Visitante (2006), de Tom McCarthy, sobre a situação dos imigrantes ilegais, também se questionava a política xenofóbica aplicada institucionalmente nos EUA, derivando daí o ódio entre as raças.

Shun Li e o Poeta não é somente uma película de pura poesia na defesa da solidariedade e da amizade, mas antes de tudo um manifesto pela integração inter-racial, servindo como reflexão dos excessos primitivos arraigados em populações conservadoras num ambiente carregado de certa forma. Aponta o epílogo para um melhor bom senso, neste manifesto crítico como um libelo contra a intransigência dos povos ditos de primeiro mundo, irascível de uma política de imigração abominável que deve ser questionada à exaustão.

Mostra de Cinema São Paulo (O Gebo e a Sombra)

O Gebo e a Sombra

Manoel de Oliveira parece um garoto de cabeça arejada e juvenil que fará 104 anos no dia 11 de dezembro. Embora seja um veterano na sabedoria, experiência e galhardia, no seu velho estilo formal e clássico de fazer cinema da melhor qualidade para um público ávido da essência da sétima arte, cada vez mais rara e distante, diante das mediocridades que se acumulam e brotam volumosamente pelas salas nas sessões teoricamente ditas vanguardas ou classicismos superados por formas esgotadas e velhacas.

O velho mestre português continua cada vez mais inspiradíssimo e novamente sua lucidez é abundante e não para de transbordar, tornando-o imortal e interminável para o bem dos cinéfilos que adoram ver uma obra deste tamanho como O Gebo e a Sombra, baseada numa peça de quatro atos, aproveitadas apenas três, escrita nos anos de 1920, pelo dramaturgo português Raúl Brandão. Desfila seus personagens heterogêneos nas telas escuras das salinhas, levando um frescor invejável e uma aula para todos que saboreiam um bom cinema. E já está trabalhando no seu próximo filme que será baseado no conto A Igreja do Diabo, de Machado de Assis.

Este seu último longa-metragem aborda o velho cansado contador e cobrador Gebo (Michael Lonsdale- que arrasa e comove em seu papel) que continua trabalhando para sustentar a família até altas horas da noite, fazendo escrituras contábeis num velho e surrado livro-caixa. Vive a com a esposa Doroteia (Claudia Cardinale-a veterana continua em boa forma) sempre na expectativa da volta ao lar do filho. Seu marido evita a qualquer preço magoá-la se contar as falcatruas do fruto de seu amor fiel, extraordinário e inesquecível pelas suas circunstâncias peculiares. Na mesma casa mora com eles a nora Sofia, chamada de filha pelo sogro (Leonor Amarante- presente na sessão de estreia em São Paulo), que sofre calada a ausência e teme o regresso do esquisito e rebelde marido João (Ricardo Trêpa- atuou em outros longas, entre eles o ótimo Singularidades de uma Rapariga Loura (2009), em atuação irreparável o neto do diretor). Faz parte ainda do elenco a vizinha fofoqueira Candidinha (Jeanne Moreau- outra veterana em grande forma) e o vizinho amante da poesia e das artes (Luís Miguel Cintra- que também não deixa a peteca cair).

Oliveira sabe como ninguém montar uma locação singular numa sala quase escura de uma casa antiga e em estado de decomposição, dando um foco principal para Gebo escrevendo no seu livro-caixa, refazendo cálculos de cabeça e sem máquinas auxiliares. Vara noites intermináveis para ter o sustento humilde, mas com honestidade da família. O café é sorvido como uma saborosa droga, acompanhado de biscoitos para manter-se ativo e não dormir, apesar da velhice que lhe assola, não desiste e vai em frente para ter o que comer no dia seguinte. Há nestas cenas uma alusão à crise preocupante da Europa e os estouros financeiros das economias de países como Grécia, Espanha e no caso específico, Portugal.

A grande expectativa do longa é a espera do filho pela mãe e pela mulher. Não existem indicativos concretos onde possa estar João, podendo ser um prisioneiro por atitudes e atos ilegais, porém ao sussurrar para sua nora em desespero, filosofa: “eu grito por dentro, mas falo baixo”.

É inegável que o cenário de um ambiente soturno ajuda o roteiro teatralizado com eloquência soberba, mas com uma linguagem indiscutivelmente cinematográfica. A fotografia é artesanalmente deslumbrante e realizada em meios-tons, sendo iluminadas apenas pelos lampiões antigos e velas nas partes superiores, uma bandeja com saborosas maçãs vermelhas, lembrando um quadro de arte, paredes rústicas, uma mesa antiga e uma porta que se abre em forma de cortina de teatro para a entrada em cena dos protagonistas em forma de dramaturgia clássica.

O veterano diretor mantém intacta a figura da mãe na esperança de saber a realidade sobre seu filho, um rapaz revoltado e que não aceita ser pobre, tal qual a genitora é ambicioso, custe o que custar e não aceita a mesmice que lhe revolta, bem como a rotina dos pais e da acomodada mulher, logo surge como um furacão fantasmagórico na sala para refutar a miséria, pois a honra dos pais lhe soa como algo promíscuo e abjeto. O diretor segue sua trajetória de dignidade e na reta final a confissão falsa é um sinal de que a vergonha e o amor pela mulher e o filho falam mis alto, contrapondo a honestidade com a ilegitimidade dos meios. João busca a liberdade como se depreende metaforicamente nos barcos ancorados na cena inicial, pensando deixar suas origens para trás e dar voos além-mar.

Oliveira ironiza a sociedade burguesa de Portugal com sua maestria formal como se fosse uma solenidade de um teatro de mentiras e prisões, num filme instigante e perturbador pela sua complexidade, desenvolve com soberba lucidez um estonteante painel de metáforas, encontradas nesta autêntica mini obra-prima, escalando-se como um dos favoritos para abocanhar o prêmio de melhor filme desta 36ª. Mostra de São Paulo, depois de ser bem recebido no Festival de Veneza.

Mostra de Cinema São Paulo (Herança)

Herança

Assim como surgiu estreando atrás das câmeras Sandrine Bonnaire com o ótimo Na Sua Ausência (2012), outrora uma ótima atriz, também estreia como diretora a israelense Hiam Abbas, que interpretou ótimos papéis em filmes como A Noiva da Síria (2004), Free Zone (2005) e Munique (2005), sempre em grande estilo. Seu primeiro longa é este magnífico Herança, onde também atua em boa forma. Demonstra-se uma cineasta competente e já dá sinais de ser plenamente autoral. É um bom candidato ao melhor filme da 36ª. Mostra de Cinema de São Paulo deste ano.

A trama está centrada numa família de uma aldeia no norte da Galileia, no conflitado território reivindicado pelos palestinos. Reúnem-se para celebrar o casamento de uma das netas de um velho patriarca e tradicional morador daquele lugar. Inesperadamente entra em coma e conflitos internos explodem no seio familiar, enquanto a morte está rondando cada vez mais o enfermo.

Herança é um belo painel sobe os conflitos familiares e serve de metáfora para as constantes guerrilhas entre Israel e os habitantes do propalado futuro Estado da Palestina. A crítica situação do avô da noiva em coma nada mais é do que a crônica doença instalada na região convalescente e sem cura entre palestinos e israelenses, sempre em disputas acirradas, onde aviões de guerra rasgam o céu e bombas explodem por todos os cantos e acabam por interromper o casamento, com o soar intermitente das sirenes. Tudo funciona como elementos de uma agonia martirizada para seus habitantes.

Abbas aborda o tenso e comovente embate com a proximidade da morte rondando o patriarca. É metaforicamente o Estado com seus filhos brigando por dinheiro ou em delicadas situações da tradição árabe. São cinco filhos antagônicos: o médico estéril e perdido na continuidade do matrimônio com a bela esposa que insiste em ser mãe; o advogado que trai a esposa que não ama e é candidato a prefeito, sofre acusações de ser colaboracionista dos inimigos; o pequeno empresário e pai da noiva é um fracassado nato, está de olho no espólio e nem espera o pai morrer e já vai atrás das assinaturas dos irmãos para administrar os bens, mas tem como característica principal não pagar seus credores; a irmã mais velha é casada com um taxista moralista que finge trabalhar; mas a grande sacada do longa é a filha caçula que namora um professor inglês, embora prometida em casamento para um primo, rebela-se e vai às ultimas consequências.

O drama retrata com grande fidelidade como símbolo da resistência a garota hostilizada, caçulinha da família, mas que sabe o que quer. Seu confronto com os irmãos e demais parentes, exceto a irmã da noiva e a mana mais velha, é a alegoria da liberdade como os pássaros que voam para irem ao encontro de seus destinos, como ela mesma profetiza. Herança reflexiona a opressão envolta dos tabus familiares incrustados naquela região belicosa de pessoas conservadoras, com suas tradições decorrentes de uma cultura que impede a felicidade de quem quer ter liberdade em decidir seu futuro. A menina rebelde é alcunhada de piranha e traidora, por ter ideias próprias e almejar uma independência que não é bem vista entre a maioria de seus parentes.

Um filme que se insere como um grande observador dos conflitos entre palestinos e israelenses com as metáforas familiares servindo como reflexão de um novo amanhã, embora o presente esteja eivado de cicatrizes abertas dos conflitos internos e externos pelos excessos da cultura ainda primitiva e conservadora arraigada nas populações e das comunidades próximas. A diretora criou personagens psicologicamente fortes em sua construção, embora contraditórios, onde não há inocentes pelas circunstâncias das peculiaridades que dão consistência para este muito bom drama de uma neófita.