Phoenix

Identidade Perdida

O talentoso diretor alemão Christian Petzold, de 44 anos, está de volta com mais um filme instigante sobre a Alemanha, aborda a culpa e a responsabilidade de seu povo no episódio da herança do nazismo. No longa antecessor, Barbara (2012) recebeu o prêmio Urso de Prata por melhor direção no Festival de Berlim de 2012), ambientado nos anos de 1980, num bucólico vilarejo, às margens do Mar Báltico, em pleno regime comunista instalado na Alemanha Oriental, reflete sobre a divisão de seu país antes de cair o muro da vergonha, o constrangimento da protagonista em ser vigiada, passar por humilhantes revistas íntimas no seu local de trabalho num regime autoritário sem liberdade de expressão, onde a reunificação era completamente descartada.

Phoenix traz novamente como personagem central a estupenda intérprete Nina Hoss, no papel da cantora de cabaré Nelly Lenz, uma espécie de Lili Marlene (1981), do conterrâneo Rainer Werner Fassbinder. O cineasta já fizera parceria anteriormente com a atriz, além de Barbara, nos longas Wolfsburg (2003), Yella (2007) e Jerichow (2008). Esta última realização centraliza a história na sobrevivente judia, que ficou desfigurada enquanto esteve presa num campo de concentração em Auschwitz, durante o período da II Guerra Mundial. Ao retornar para uma Berlim em escombros, busca num cirurgião plástico recuperar sua imagem, em detrimento da recriação sem lembranças, mesmo que o passado lhe traga amarguras e perseguições. Nesta jornada difícil, inclusive reencontrar o marido Johnny (Ronald Zehrfeld), recebe uma ajuda prestimosa da militante Lene (Nina Kunsendorf), uma mulher sofrida que ajuda seus compatriotas, dando dicas e orientando para que viagem em definitivo para o recém-criado Estado de Israel.

Um filme ao melhor estilo da escola alemã, com um roteiro enxuto, com cortes certeiros, poucas concessões para o espectador, num tom seco e direto com artimanhas corretas, no qual Nelly fica irreconhecível após a cirurgia, ela explora a destruída Berlim à caça do marido, apontado como o responsável pela sua delação e o sofrimento pelo qual passou. O drama não cai na caricatura fácil e nem no maniqueísmo. Há densidade e tensão bem elaboradas num filme ao melhor estilo noir, com cenas de construções de personagens fortes e psicologicamente bem alicerçados por uma direção autoral magnífica, através de uma amostragem a beleza dos detalhes na essência, com Nina Hoss conduzindo a trama pelo marcante olhar revelador, segurando até o final inusitado o enredo recheado de realismo de um cinema instigante.

Boa parte da crítica comparou com Vertigo/Um Corpo que Cai (1958), de Alfred Hitchcock, sobre o desejo de recriação de uma mulher em outra, mas há uma similitude estrutural mais acentuada em Cópia Fiel (2010), de Abbas Kiarostami, uma abordagem do jogo da mentira num novelo como se fosse uma ficção e não uma realidade, parecendo o reflexo dos espelhos contra o sol refletindo, para se decifrar quanto cópia ou original? Réplica ou tréplica? Ficção ou realidade? Mas Phoenix tem vida própria pela contundência nas buscas e na reflexão sobre os estragos deixados pelo nazismo, por aproximar-se e até superar no conteúdo do não menos notável Ida (2014), de Pawel Pawlikowski, premiado como melhor filme estrangeiro no Oscar deste ano.

Baseado no romance francês Retorno das Cinzas, de Hubert de Monteilhet, teve uma adaptação inexpressiva para o cinema anos de 1960, batizado De Volta das Cinzas, com direção de J. Lee Thomson. Phoenix é um drama de época fascinante, em que a reconstrução da vida pela perda da identidade decorre do devastador holocausto, deixando registradas as cicatrizes do passado no rosto e na alma, diante da tentativa de construir a personalidade em busca da reaproximação do grande amor que ficou, ao ser deportada para a Polônia. Petzold é um artesão imparcial, deixa para o epílogo a máscara cair, como um pano no teatro armado, para receber a sobrevivente transformada e usada, como uma metáfora das atrocidades de Adolf Hitler. As marcas na pele revelarão a grande farsa montada, como uma reflexão sobre a traição para safar-se e levar vantagem na herança pretendida.

Dentro de um clímax equilibrado e coerente, através de uma história contada com uma suavidade contraditória, embora embrutecida por um panorama do horror pelos destroços deixados pela guerra e a perseguição implacável aos sionistas, diante das feridas abertas de difícil cicatrização, permeando a selvageria intercalada por momentos líricos doloridos, faz deste drama um marco redentor da barbárie, sem cair no maniqueísmo ou na mesmice de chuveiros químicos com pessoas amontoadas dentro de trens rumo à morte. Um filme sobre o renascimento das cinzas, através de imagens fortes com força de grande expressividade, como na boate colorida contrastando com as ruínas no entorno. Ou pelos rostos e olhares de perplexidades mesclados com surpresa no desfecho que flui equidistante para fincar uma posição realista de uma época, pela desassombrada canção melancólica Luz de Berlim.

Happy, Happy

Revelações Amorosas

Vem da Noruega o longa de estreia da diretora Anne Sewitsky, Happy, Happy, laureado com o Grande Prêmio do Júri no Festival de Sundance, nos Estados Unidos, em 2011, obteve o prêmio da crítica no Festival de Zurique, edição de 2011, e ainda representou seu país na categoria de Melhor Filme Estrangeiro do Oscar 2012. O enredo está centrado na dona de casa Kaja (Agnes Kittelsen- boa atuação), lembra a infantilizada personagem central de Simplesmente Feliz (2008). Privilegia a célula familiar como a coisa mais importante do mundo, embora conviva com o marido Eirik (Joachim Rafaelsen), um homem que há mais de anos se recusa a fazer sexo, sob a alegação de que ela não é mais atraente, demonstra um comportamento estranho e dolorido para ambos, bem como para o filho menor.

A cineasta coloca com certa habilidade na vida do casal, os novos vizinhos Elisabeth (Maibritt Saerens) e Sigve (Henrik Rafaelsen), que aparentemente têm um casamento perfeito, com um filho negro adotado, o que causa um certo constrangimento recheado de dúvidas e indagações para os nativos, inclusive para as crianças que revivem os tempos da escravatura nas brincadeiras. Logo, Kaja começa a enxergar um mundo de esperança marcado por cores radiantes, através de um jantar para as boas vindas. O silêncio é quebrado pela simulação do jogo da verdade proposto com muitas revelações e consequências que ocorrerão para todos, no qual sobressaem as intrigas e confissões de traições de ambos os lados. Há, inclusive, a homossexualidade enrustida que causa surpresas e dissabores, mas que as portas aos poucos se abrem para um futuro com decisões que deverão ser tomadas.

Ainda que classificada como comédia dramática, o filme é uma narrativa qualificada de puro drama naquele estonteante cenário de nevasca, bem característico dos países escandinavos, tendo no frio um fator dominante do ambiente que afeta também os relacionamentos humanos na ciranda amorosa estremecida e fragmentada, porém em muitas vezes são escondidas questões sérias, ou até dissimuladas, deixando o tempo levar, assim como o clímax com bastante ternura e suavidade, sob o comando da canção Over the Rainbow, do clássico O Mágico de Oz, que servirá de passagem, a cargo de um coro, da vida triste da protagonista para o sonho momentâneo e dourado, deixando seu apetite sexual aflorar de forma espontânea, um pouco fora do limite e com alguma ingenuidade mal concebida, num erro estratégico pela dispersão do roteiro.

Happy, Happy é um filme voltado para os relacionamentos intimistas, numa trama que acompanha dois casais, cujas vidas se entrelaçam com questionamentos das complicadas situações extraconjugais. A diretora pinça com certo ar de tristeza a maneira e o modo de vida levado por cada um deles, deixando na insatisfação o aspecto preponderante para reflexão. Kaja demonstra ser uma mulher solitária que quer mais da vida e sua euforia com a chegada do forasteiro é motivo para um deslumbramento até compreensível no aspecto emocional. Prevê e é estimulada para uma condição típica de quem quer dividir as coisas simples do cotidiano, diante da ausência do companheiro que não lhe dá atenção e foge de uma relação normal entre marido e mulher. Há clara evidência no desespero intrínseco materializado na cena em que o quarteto disputa um resultado que levará para grandes emoções fantasiadas com ardor na alma e um brilho esfuziante nos olhos.

O drama mexe com aflições, segredos de opções sexuais e angústias ocultadas, mas que aos poucos são reveladas com forte acidez, traz também como subtema o preconceito racial dos tempos da escravidão negra, mesmo nas cenas lúdicas de abusos, mas que choca e denuncia pelo olhar da neófita cineasta Sewitsky, ainda que a solução seja linear dentro do filme como um todo, com a participação solta no discurso de Barack Obama, em meio às descobertas e reviravoltas nos diálogos secos e rancorosos.

A realizadora mostra-se competente e dá indicativos de ser promissora, ao conduzir a histórias com canções alegres, ao amenizar os temas profundos num roteiro elaborado com estrutura consistente, torna-se agradável por envolver o espectador no enredo engenhoso na superfície de aparente normalidade. Um filme simples e eficiente, cativante na essência sobre solidão, traição, racismo e homossexualidade como elementos para efeito de dúvidas das cicatrizes abertas de um processo transitório, que remete para uma reflexão de um desfecho revelador para o futuro de um passado acobertado de segredos enigmáticos.

Sangue Azul

Incesto na Ilha

Mais uma produção de Pernambuco alça alto voo e conquista prêmios importantes, Sangue Azul ganhou como melhor filme de ficção na Mostra Première do Festival do Rio de Janeiro, edição 2014, além de melhor diretor e ator coadjuvante (Rômulo Braga); também foi premiado com a melhor fotografia e figurino no Festival de Paulínia, em São Paulo, no ano passado; foi ainda exibido na Mostra Panorama do Festival de Berlim deste ano. Quase dez anos depois de Árido Movie (2005), o cineasta Lírio Ferreira volta a dirigir um longa de ficção à moda antiga por película. Ficou conhecido por Baile Perfumado (1997), codirigido com Paulo Caldas.

O drama intimista começa com imagens em preto e branco, com personagens e natureza se fundindo num tom gris com variáveis de equilíbrio do claro para o escuro, numa bela coreografia de efeitos da ação, mas logo o colorido toma conta das filmagens com a lona do circo Netuno armado para começar o grande espetáculo na paradisíaca ilha vulcânica. No enredo há um romantismo sem freios na relação amorosa entre Zolah (Daniel de Oliveira- convincente no papel), o homem-bala voltado para as peripécias sexuais, que retorna para o lugar onde nasceu, acompanhado da fogosa namorada Teorema (a atriz cubana Laura Ramos), lá encontra a irmã Raquel (Caroline Abras). Quando a trupe desembarca para uma temporada na terra natal, muitas lembranças do passado afloram e instigam os dois irmãos, mas chegou o momento de resolver as questões angustiantes que os atormentam. Com isto, deixa a mãe (Sandra Corveloni- de atuação irreparável) em estado de alerta e temerosa do que poderá acontecer neste reencontro depois de 20 anos afastados. Não foi à toa que mandou o filho para bem longe, sob os cuidados do ilusionista Kaleb (Paulo César Pereio), para evitar um incesto que se desenhava como iminente na infância.

O filme é dividido em cinco capítulos, entre eles Infância e Angústia, títulos retirados dos livros de Graciliano Ramos. O filme tem um elenco de primeira, que se completa com o sensível atirador de facas Gaetan (Matheus Nachtergaele); Inox (Milhem Cortaz), o hilário “homem mais forte do mundo” que quebra paradigmas da masculinidade; e o ancião pescador Mumbebo (cineasta Ruy Guerra), uma espécie de oráculo, um tanto artificial no enredo, que faz derrapar e pouco acrescenta na história. A trilha sonora é boa, tem a assinatura de Pupillo, baterista da banda Zumbi, mas o forte do filme é a fotografia premiada de Mauro Pinheiro, com imagens radiantes, que teve como locação pela primeira vez a ilha de Fernando de Noronha para uma realização totalmente rodada em seu território

Lírio assina o roteiro com Fellipe Barbosa e Sérgio Oliveira, deixando o filme andar sem preocupação de cortes cruciais, num paralelo entre cinema e circo para falar do mar, da arte, mas principalmente do amor e do sexo como os ingredientes maiores misturados num redemoinho marítimo, que traz à tona fantasmas retornando com voracidade na liberdade sexual de várias formas manifestada entre os irmãos e nos demais personagens que completam o enredo, com cenas eróticas surgindo de olhares e embasadas nas canções românticas de afoxé e frevo. Não são gratuitas, apenas contribuem de certa maneira, pelo olhar do diretor, para reforçar uma sensualidade explícita que o drama procura contagiar e transmitir com poesia sensorial, embora às vezes tropece e não alcance o arrebatamento no espectador como uma proposta concreta.

Há no formato a sensação de domínio pelo exercício estético que se propõe, ao usar enquadramentos ousados e aposta no cenário deslumbrante. Não impacta como no drama profundo e contestador do conterrâneo Gabriel Mascaro, com um cinema autoral em Ventos de Agosto (2014), nem mergulha no universo circense como fez com eloquência e dignidade rara Selton Mello, no comovente O Palhaço (2011), um drama de artistas que buscam pelo interior do Brasil suas glórias e a maneira de sobreviver, numa abordagem dos bastidores na difícil arte de fazer rir.

Sangue Azul flutua perifericamente, sem ser melancólico ou saudosista dos velhos palhaços de outrora, como Mello bem enfatizou. Há os sorrisos marotos das plateias por aquele grupo de comediantes, ainda assim teve um resultado razoável, embora tivesse tudo para emplacar uma reflexão menos pueril e mais madura com consistência, faltou o algo mais no contexto, deixando uma lacuna relevante e de interesse linear sob o ponto de visto emocional na abrangência do todo, com alguns lampejos criativos de fábula, fica mais na ideia central do lúdico.