Lola

Luta das Avós

Filipinas manda para o mundo do cinema o promissor diretor Brillante Mendoza, o mesmo de O Massagista (2005), Serbis (2007) e Kinatay (2008), obtendo o prêmio de direção por este filme em Cannes. Chega pela primeira vez ao Brasil agora com o comovente Lola, com significado de avó no país de origem. Neste terceiro longa-metragem, um drama intimista onde a lola Sepa (Anita Linda- de atuação irrepreensível) vive dentro de um riozinho tomado de palafitas sobre plataformas sustentadas por estacas de madeira dentro das águas profundas, tendo acesso somente por barcos, teve seu neto assassinado pelo garoto Mateo para levar o celular; lola Puring (Rustica Carpio) é a avó do assassino, preso em flagrante e que vive amontoado com outros delinquentes numa prisão em péssimas condições.

A vovó do morto tem vários dilemas em sua vida, uma delas é ter que lidar com a morte súbita do neto e providenciar a compra de um caixão e toda a despesa do funeral, além de sustentar outro neto, uma filha e outros parentes que moram com ela. A pobreza fica escancarada e chega a ser humilhante, quando tem que sair de casa em casa pedindo esmolas para adquirir o famigerado caixão. Pede um empréstimo bancário e deixa em garantia seus cartões de crédito, tudo em nome da dignidade e do enterro justo, sem esquecer de procurar seus direitos e fazer justiça para a vítima fatal. Do outro lado tem a vovó do criminoso, uma pessoa simples que vive do comércio de rua, espécie de camelô, junto com o outro neto. Vive um dilema particular e sua angústia dolorida sem ter fim. Ao chegar em casa tem que dar comida na boca do filho mais velho, que está gravemente enfermo. Busca dinheiro e também tenta um empréstimo financeiro, viaja pelo interior em busca de recursos, numa verdadeira apoteose de dificuldades e empecilhos que vão se colocando no seu destino. Todo esforço descomunal é para indenizar a família do jovem assassinado, na extraordinária saga da busca do acordo para retirar o neto da cadeira. Nas Filipinas não existe intervenção do Estado, caso as famílias ponham fim no processo criminal, através de uma cifra indenizatória.

Além dos problemas inerentes com a ocorrência policial e as investigações no inquérito, a avó leva comida quentinha no presídio e se preocupa com as condições sub-humanas que Mateo convive no dia a dia. Os familiares da vítima não visam vantagens financeiras, nem colocam regras ou sequer exigem alguma condição que pudesse ser visto como chantagem. Os acontecimentos vão tomando corpo e forma do fato circunstancial e a análise recai no martírio de vida e da coragem das avós. As duas “lolas” se enchem de coragem e começam uma busca persistente de um novo rumo de vida. Uma luta para enterrar o neto dignamente e brilha nos seus olhos os peixes que se multiplicam no rio, como uma bela metáfora do dinheiro que buscou para aquele dia marcante do funeral e o ritual nos barcos descendo lentamente numa dor silenciosa, lembra a cena do filho morto do magnífico filme da República do Chade Um Homem Que Grita (2010), dirigido por Mahamat-Saleh Haroun, ganhador do Prêmio do Júri de Cannes de 2010. Passa pelo mais difícil, como as contrariedades e controvérsias acumuladas diariamente. A outra avó também é uma heroína e esbanja bravura, levando sua causa até as últimas consequências dentro da ética e da dignidade, exceto um esbarrão aqui e outro ali, como do troco e da sonegação da moeda de 20 por 50, bem como a venda dos presentes recebidos dos parentes distantes.

As duas vovozinhas alquebradas perambulam nas ruas, ruelas e becos de Manila, sob intermitente tempestade de uma chuvarada com ventos fortes, num aguaceiro que lembra o cenário do filme argentino Chuva (2008), de Paula Hernández, com os frenéticos buzinaços, onde pessoas andam de um lado para outro à procura de seus destinos perdidos ou desencontrados. Já o diretor segue uma linha perigosa de filmagem, onde a condução da câmera está sempre em movimento, nunca deixa em quadro parado ou fixa determinado ponto de forma estática, deixa o som sair direto dos personagens, como numa cena de videoclipe. Usa quase sempre como cenário os carros e os ônibus velhos caindo aos pedaços, numa reflexão da pobreza e miséria reinante naquele país. Às vezes torna-se cansativa a movimentação da câmera, mas não chega comprometer a obra.

A dor de viver é anestesiada pela bravura e da persistência daquelas duas anciãs, como numa simbologia da luta e do seu amor pelos netos e na insistente aproximação com as coisas bonitas da vida como objetivo final, embora os percalços e as humilhações tenham que ser derrubados, com seus efeitos nefastos e devastadores, resultantes de uma reflexão pontual, faz com que as cenas que desfilam tenham o caráter da dignidade daquelas criaturas. Mas a obstinação e a luta que travam por seus netinhos, nos remete para duas películas: uma é Poesia (2010), dirigido pelo sul-coreano Lee Chang-dong, e a outra é Mother- A Busca pela Verdade (2009), do diretor coreano Bong Joon-ho, que aproxima o realismo do fantástico e desqualifica o possível culpado, buscando no jogo de valores sua visão crítica, como na cena inicial que mostra a mãe caminhando dentro de um campo de trigo e em seguida dança uma música, fazendo gestos tresloucados e enigmáticos, que terá a extensão no epílogo. Diante das similitudes, poderá então o espectador fazer suas observações e conclusões de Lola, através destas senhoras de cabelos grisalhos que tentam provar a inocência de um deles e a outra em dar um funeral digno e conseguir a justiça.

A película filipina segue uma temática de reflexão da vida, sem apontar diretamente culpados que aparecem instintivamente nos dilemas diários, pois as vítimas são os seres humanos que vivem em más condições sociais, sem nunca perder ou esquecer as referências familiares. Um filme digno e humano pela sua regularidade, contrastando com as dores arrebatadoras das avós e suas tragédias familiares, com os fatos se intercalando no final. A busca da liberdade segue em caminhos opostos na cena final, tendo do outro lado o sentimento da justiça realizada, fazendo desta forma as maneiras sutis de suas vidas nas modestas residências que habitam, mas nunca sem deixar de buscar o prazer de viver, tornam este longa num instigante depoimento de lucidez.

Antes que o Mundo Acabe

Caminhos da Juventude

Antes que o Mundo Acabe é uma película com produção e direção da gaúcha Ana Luiza Azevedo, em seu primeiro longa-metragem; tendo como roteiristas a mesma Ana Azevedo, Paulo Halm, Jorge Furtado e Giba Assis Brasil; na bela fotografia assinada por Jacob Solitrenick. Esta é mais uma produção da Casa de Cinema de Porto Alegre, onde a diretora foi fundadora. Obteve os prêmios de Melhor Direção de Ficção, Figurino, Trilha Sonora, Direção de Arte e Fotografia no II Festival de Paulínia em 2009.

Um instigante filme sobre as dúvidas e os caminhos que os adolescentes procuram em suas vidas futuras, com similitude em seu conteúdo de questionamento na infância em outras belas obras, tais como: Os Famosos e os Duendes da Morte (2009), de Esmir Filho e o magnífico As Melhores Coisas do Mundo (2010), de Laís Bodanzky. Outra busca como inspiração está na disputa da garota pelos dois amigos que se apaixonam pela mesma pessoa como em Jules e Jim- Uma Mulher para Dois (1962), de François Truffaut.

A trama, aparentemente simples, tem muita complexidade e se delineia no seu desenrolar, através do adolescente Daniel (Pedro Tergolina- de inspirada e muito boa atuação) namora Mim (Bianca Menti), uma jovem em dúvida do que quer e pretende, pois flerta com Lucas (Eduardo Cardoso), o melhor amigo de seu namorado. Surge a meia-irmãzinha tinhosa que alucina Daniel, Maria Clara (Caroline Guedes); Elaine é a mãe (Janaina Kremer) casada com Antônio (Murilo Grossi), pai de Maria Clara; o pai de Daniel é um fotógrafo (Eduardo Moreira), que não conheceu o filho, pois abandonou Elaine quando estava grávida e foi conhecer o mundo e fotografar crianças mutiladas em guerras em países conflitados.

O filme tem as características típicas do interior, onde os adolescentes andam de bicicletas, namoram nos aniversários, pegam os carros dos pais e dirigem sem carteira, tomam pileques homéricos e jogam futebol. Os objetivos de vida estão limitados aos costumes de uma bucólica cidadezinha de poucos recursos. Conhecer Porto Alegre e buscar voos maiores são sonhos que aos poucos a realidade torna-se dura e acaba por frear, como na cena em que Lucas não consegue fazer a prova por problemas disciplinares em sua cidade natal.

O aspecto sombrio é latente nos rostos, como no de Daniel que recebe as cartas do pai que vive na Tailândia, responsabiliza-se pela paternidade ausente e tenta equilibrar seu relacionamento com o filho, exaltando as virtudes da mãe e assume a culpa exclusiva pelo abandono. Manda fotos, cartas, máquina de fotografia, colete de fotógrafo, escreve e-mails, tentando uma aproximação. Na relação que está sendo aberta, o filho sente que existem outras fronteiras para serem desbravadas e seu mundo está restrito às mesmices, com poucas opções para o trabalho, bem como continuar os estudos numa universidade. É hora de botar o pé na estrada e seguir em frente.

Antes que o Mundo Acabe sugere uma metáfora da juventude e seu futuro, como a dizer que um dia isso termina e chegará o mundo adulto dos tsunamis, guerras e doenças; ficará para trás os passarinhos na gaiola da vizinha, o santo dentro do andor a percorrer a vizinhança e a vidinha pacata do interior. O longa reflete uma beleza melancólica os prazeres e desprazeres da adolescência, tendo como mote o triângulo amoroso dos três amigos que também são colegas de aula, com as enormes confusões no ambiente escolar, que mergulha na abordagem do universo juvenil das grandes paixões, os relacionamentos com as namoradinhas, os traumas da garotada e a difícil passagem para o mundo adulto repleto de preconceitos e complicações inerentes da transição, sem deixar de abordar a ausência do pai.

Também lembra o filme Em Paris (2006), de Christophe Honoré, onde os irmãos moravam com o pai, pois a mãe os abandonara para viver uma vida livre, após a morte trágica da filha; neste quem sai é o pai a ganhar o mundo, ficando a mãe cuidando dos filhos. Há referência ainda para o francês Entre os Muros da Escola (2008), de Laurent Cantet, que entre outros temas, apreciou com primazia a tentativa de expulsão de um aluno desobediente e de comportamento hostil; no longa de Ana Azevedo, o diretor quer expulsar Lucas por suspeita de roubo na escola e lhe arranca da aula abruptamente.

O vazio existencial dá lugar para as brincadeiras e os conflitos na busca da conquista da garota amada, tendo por objetivo principal ser um vencedor no contexto geral, pois assim os olhares estarão voltados para o conquistador da menina disputada, numa clara alusão da busca insistente de uma autoafirmação e uma identidade ainda debilitada. A dramaticidade dos personagens está bem condensada no roteiro, embora os hipertextos e colagens no filme sejam por vezes exagerados e desnecessários, bem ao estilo do corroteirista Jorge Furtado, que conseguiu impor com inteligência no curta-metragem Ilha das Flores (1989), mas a diretora não derrapa e segura firme sua obra inaugural, construindo e deixando sua marca.

A cineasta teve muita sensibilidade para abordar a temática dos jovens, nesta abordagem sem estereótipos da juventude, com seus anseios à flor da pele, demonstra ser promissora e com amadurecimento neste ótimo longa-metragem que faz reflexão com ternura dolorida numa temática sobre os futuros logo ali como adultos.

Gainsbourg- O Homem que Amava as Mulheres

Complexidade de Uma Rebeldia

A cinebiografia Gainsbourg- O Homem que Amavas as Mulheres começa homenageando no título o mestre François Truffaut, pelo seu filme homônimo de 1977, como também há uma outra pequena homenagem ao inesquecível cineasta Claude Chabrol, com sua pequena aparição no papel de dono de uma gravadora, tendo morrido logo após esta rápida amostragem aos seus fãs.

O filme é um achado do neófito diretor Joann Sfar, em sua estréia com longas, porém dando margens para outras possíveis realizações do mesmo porte, diante de seu talento ao dirigir este marcante filme pela emoção, sobre a vida do polêmico e contestador cantor e compositor francês, descendente de russos e de etnia judia, Serge Gainsbourg (Eric Elmosnino- de atuação antológica e irrepreensível absorção do personagem na íntegra, tendo abocanhado o prêmio de melhor ator no Tribeca Film Festival dos EUA).

O longa mostra um artista de vanguarda pelas posições nitidamente contrárias aos ditames do bom mocismo. Já na esplêndida e imaginativa abertura, logo remetida para as imagens do cantor fumando quando criança junto ao mar, ao lado de uma garotinha, sua fama de conquistador começa cedo e dá sinais de uma grande divagação, tendo em vista os hábitos contrários às normas do certo e do errado. Gainsbourg bebe e fuma à exaustão até morrer (1928-1991), tem uma vida controvertida e avessa aos princípios éticos e morais reinantes numa sociedade conservadora, de uma França dominada pela Alemanha, com as bandeirinhas enfileiradas do Nazismo espalhadas nas ruas de Paris, logo têm respostas naquele garotinho travesso que canta o hino de seu país em forma de sátira corrosiva e brinca com os soldados franceses. Sua rebeldia vem desde menino, avança pela juventude e cessa na finitude.

Demonstra insatisfação ao pai pianista que o quer torná-lo um artista, ao recusar-se peremptoriamente a tocar aquele instrumento, embora se torne um exímio artista do piano com o passar do tempo. Começa pintando quadros, mas logo parte para seu apogeu, pois é dono de uma imaginação musical como poucos, um provocador por natureza, como se fosse um mescla de Raul Seixas e Renato Russo, compõe com extrema facilidade, sempre sendo cutucado pelo alter ego travestido do irmão morto, no formato de um boneco, para tocar em frente suas composições. Tem uma posição política como se fosse um antissemita, embora descendente não prega e ainda abstém-se de divulgar a causa judia. Já nas primeiras cenas fica claro seu senso de improviso e sarcasmo, ao cantar com o coral de crianças russas, apesar de descendente, não tem nenhum conhecimento da cultura ou da língua, improvisa e o resultado fica melhor que o esperado. Também em boa parte do filme se mostra todo o amor e admiração por Charles Aznavour, sendo até repelido por alguns de fãs, que queriam ouvir músicas suas e não do ídolo em quem Serge inspirava-se.

Mas o ápice está reservado do meio do longa até o final, quando seu relacionamento se dá com Brigitte Bardot (Laetitia Casta- surpreendentemente parecida e convincente), no auge da carreira, tendo um affair e sussurrando em seu ouvido, acaba por lançar dois discos maravilhosos em 1968: Bonnie Clyde e Initials B.B. Ao pedir uma prova de amor, compôs com uma inspiração máxima a obra-prima do erotismo Je T’aime Moi Non Plus, porém não é gravada por pedido expresso de Bardot, casada na época com um grande diretor e que poderia acarretar problemas familiares. Não desiste, e entre tantos outros romances, um que se notabiliza é com a inglesa Jane Birkin (Lucy Gordon- também está muito bem no elenco), talvez seu maior amor, dando-lhe dois filhos entre eles a ótima atriz Charlotte Gainsbourg, aparecendo quando adolescente no filme, numas das estrepolias de Serge. Grava com Jane finalmente sua música maior Je T’aime Moi Non Plus, com todos os sussurros possíveis e inimagináveis, numa clara alusão ao orgasmo de um ato sexual, lançando no disco de 1969; posteriormente em 1971, outro fabuloso álbum musical Histoire de Melody Nelson viria fazer outro estrondoso sucesso. Mas em 1980 veio a separação de sua célebre companheira de todas as horas.

Outra cena comovente e arrasadora pela audácia e astúcia é na sua apresentação na Jamaica, ao cantar La Marseillaise, em ritmo de reggae, causando ira em seus desafetos, mas não perde o humor e a compostura, voltando a cantar seu hino oficial, ainda assim não deixa de satirizar na letra. Por isso foi amado e odiado, como um cantor e compositor maldito pelos franceses, pois sempre buscava inovar, embora sem um mínimo de limites, levando outras culturas para a música da França. Uma realização extraordinária onde o realismo tem mescla de fantasias, pela contundência artística e pela trajetória povoada de controversas deste compositor genial pela sua singularidade, faz desta obra uma das melhores do gênero e certamente estará entre as 10 melhores do ano, diante da aversão pelo politicamente correto, pela magnífica trilha sonora, pelo elenco impecável.

Eis um filme sensível que mostra toda rebeldia obsessiva de um artista não celebrizado em sua terra, que chora mais pela morte do cão que do pai ao falecer, numa cena comovente, deixando registrada na tela a beleza e a poesia constrastando com a dor e o sofrimento, tanto físico como da alma, inseridos num contexto de luxúria, insatisfação e os fragmentos na mente de uma ocupação em seu país, por um outro contrário a arte e a inversão retumbante e inesquecível de um povo por outra cultura. Gainsbourg- O Homem que Amavas as Mulheres é uma mini obra-prima que mostra a dor de um artista e sua paixão avassaladora pelas mulheres, num mundo corroído pelas incertezas e pelo descalabro da intolerância. Flutua num horizonte longínquo como se estivesse num paraíso de fantasmas, por isso a complexidade desta cinebiografia redentora do amor.

Namorados para Sempre

Casamento em Ruínas

O filme Namorados para Sempre (Blue Valentine- na versão original, porém teve esta lamentável e enganosa tradução no Brasil estritamente comercial) é um grande romance moderno, quase como um drama erótico, onde as relações de um casal são discutidas às ultimas consequências, mostrando toda a dor e o triste fim de um relacionamento em ruínas que se extingue a cada dia que passa, sob a direção de Derek Cianfrance, em seu segundo longa, antes dirigira Brother Tied (1998).

O longa-metragem começa com se fosse um lindo dia na vida de um casal, na companhia de sua bela filhinha à procura da cadela de estimação que teria fugido de casa, logo aparece morta numa rua deserta, já faz alusão premonitória ao desenlace dos dois jovens apaixonados em conflito. Estrategicamente a criança está à margem dos acontecimentos, sem saber direito o que está acontecendo com sua vida e com quem muito estima. A trama gira em torno de Dean (Ryan Gosling), um rapaz que trabalha como carregador de móveis, que seduz e conquista o coração de Cindy (Michelle Williams- indicada ao Oscar pela sua boa interpretação), logo irá se formar como enfermeira e trabalhará num hospital, apesar de seu sonho ficar frustrado como médica. Ainda solteiros, ela engravida e nasce a adorável garotinha Frankie, nascida por acaso e quase defenestrada por um aborto.

O filme se desenrola em flashbacks, sem ter aquelas voltas ao passado monótonas, muito pelo contrário, a tensão vai aumentando e o fio do nó irá se desatando, com as revelações e as angústias sendo literalmente expostas como vísceras, num clima que vai se construindo com todas as gradações de nuances de uma união em decomposição agonizante e que dá sinais evidentes de irreversibilidade. Namorados para Sempre traz no bojo da abordagem a neurose de um casal e seu relacionamento doentio, como na cena do motel em que Dean nega-se a praticar o sadomasoquismo da companheira que implora em estado quase catatônico. Bebem e fumam à exaustão e a “suíte da fantasia futurista” é o próprio reflexo dos dois seres desajustados no amor, à procura de uma combustão para engrenar a retomada do clímax do amor de outrora. Tudo é válido, até os requintes de jogos de sedução e dor amorosa.

Mas os ciúmes constantes de Dean não são mais suportados ou elaborados pela esposa, como na cena da crise decorrendo no vexame no hospital, com visíveis sinais de alcoolização, logo após a fuga dela da noite decepcionante, que era programada para restabelecer a harmonia no motel. Socos, pontapés, quebra-quebra e chamamento da polícia são fatores que irão minando ainda mais o idílio já instabilizado, inclusive com as ameaças de suicídio por Dean, antes de saber da gravidez involuntária. Como luzes que vão se apagando lentamente aquele grande amor da juventude, numa catarse efervescente de emoções incontidas, colocadas de forma magistral em flashbacks pelo diretor, vão corroendo definitivamente uma união totalmente conturbada, apesar de alguns contratempos no namoro, como o espancamento do rapaz por um dos pretendentes da moça disputada.

Outra situação desgastante do romance que fica evidente nas entrelinhas é o acomodamento do marido, um tanto quanto infantiloide, totalmente voltado para o lar, que contenta-se em continuar como carregador de mudanças, e a subida na escala profissional da esposa. O desnível social e as crises de ciúmes do marido que sente-se traído, irão destruindo aos poucos e pondo fim naquele deslumbrante relacionamento juvenil. O filme traz outra metáfora magnífica, como dos festejos da independência dos EUA, com fogos de artifícios colorindo o céu e simbolizando a cena da separação e da emancipação da Cindy, como na dolorida divisão de Frankie pelos pais, sem saber direito o que estava acontecendo, fica no meio do caminho, à procura de uma explicação plausível do mundo adulto e da minguada atenção lhe é dedicada.

O drama, às vezes lembra o magistral Anticristo (2009), de Lars Von Trier, porém bem mais contido e sem a contundência e a explicitude do diretor dinamarquês; também remete para as tórridas cenas de sexo de 9 1/2 Semanas de Amor (1986), de Adrian Lyne; como faz lembrar ainda o inesquecível Eu Sei Que Vou Te Amar (1986), de Arnaldo Jabor; ou ainda o episódico divórcio de um casal em Amor em Cinco Tempos (2004), de François Ozon. Mas nada se compara com a obra-prima do gênero Cenas de Um Casamento (1974), do mestre Ingmar Bergman, cineasta da alma humana e dos caminhos existencialistas. Mesmo com um título enganoso, os cinéfilos mais atentos estão se dando conta que Namorados para Sempre é um daqueles filmes marcantes e dignos de constar na galeria das obras que mergulham na alma e no âmago de seres humanos apaixonados e perturbados por fatores diversos da plena consciência.

A Última Estação

Melancólico Fim

Michael Hoffman desenvolve neste fabuloso filme A Última Estação uma trajetória com um estilo muito apropriado para descrever o crepúsculo da vida de Leon Tolstói (1828-1910). Logo no início do drama já se percebe as semelhanças evidentes com o grande cineasta russo Alexander Sokurov, embora sem o vigor e os recursos dramáticos deste, que também descrevia os momentos finais de Adolf Hitler em Moloch (1999); os derradeiros dias de Lênin em Taurus (2001); e ainda sobre o imperador japonês Hirohito na bela película O Sol (2005).

Tolstói (Christopher Plummer- de interpretação impecável e sóbria) é o célebre escritor, um dos maiores de todos os tempos, comparado a Homero, autor de Guerra e Paz, Ana Karenina e A Morte de Ivan Ilitch, tendo por lema “justiça e paz”, bem enfocado por Hoffman, com base no romance A Última Estação, de Jay Parini. Denota-se que os dias finais foram conturbados e sem o mínimo de paz, principalmente com seus familiares, em especial o seu amor avassalador pela condessa, que se tornou sua esposa Sofia (Helen Mirren), bem como tem na filha excomungada pela mãe sua aliada inconteste. Plummer e Mirren foram indicados para o Globo de Ouro e para Oscar, nas categorias de melhor ator coadjuvante e de melhor atriz, sem obterem sucesso.

Seus fiéis seguidores literários estavam quase sempre em conflito com Sofia, principalmente o fundador do movimento mundial tolstoiano de desapego de bens materiais, Vladimir Chertkov (Paul Giamanti), um exacerbado nos cuidados, com intromissão na vida particular do escritor, acusado de ser o mandante da renúncia dos bens por Tolstoi, para deixar tudo para a comunidade, teria aconselhado-o a mudar radicalmente o testamento, sem deixar nada para a família. Neste conflito flutua o sensato secretário particular Valentin Bulgákov e seu romance ardente com a bela e fogosa empregada da residência. Ele é uma espécie de assistente direto e que anota todos os movimentos finais do escritor, que se torna pobre e vegetariano, vivendo como um celibatário.

Os seguidores fiéis de Tolstói e a obsessiva vontade em torná-lo um mito, chega a beirar uma adesão religiosa, como se ele fosse uma espécie de líder espiritual que anda pregando uma seita, em contato direto com as pessoas. Tem na morte pela pneumonia adquirida de seu estado frágil de vida que leva, andando em vagões de terceira classe, sem nenhum conforto para descansar ou dormir, quando foge de seu lar no meio da noite para se alojar naquela longínqua estação de Astapovo, numa humilde casa de um funcionário, na procura iminente da tão propalada paz espiritual e seu desprendimento com as coisas materiais e sua fortuna adquirida, razão pela qual acaba se conflitando com a esposa.

Ainda que Sofia seja uma mulher extremamente materialista e pense constantemente nos direitos autorais, pois gostaria de ver passado em vida ou através do guerreado testamento, o marido quer deixar para seus seguidores do movimento tolstoiano, com a expectativa de que estes divulgarão sua obra e seus pensamentos sobre o mundo como “tudo o que sei só sei porque amo”, numa clara aversão pelas diferenças sociais sua simpatia pelo socialismo e contrário ao czarismo enraizado na Rússia por volta de 1910. Sofia sofre e acusa-o de mulherengo contumaz frequentador de cabarés, buscando em seus defeitos as razões para não deixá-lo livre para realizar a distribuição da fortuna por testamento, motivo crucial de tanta celeuma.

O diretor passa com clarividência o relacionamento do escritor com a mulher e a paixão por ela, em mais de 40 anos de casamento, tendo Sofia sempre participado diretamente com opiniões sinceras e influenciando nas obras-primas que vieram acontecer com o tempo. O conflito de ideias de um pensador mitológico com outras voltadas para o mundo material é o grande debate reflexivo na época do czarismo de um país em efervescência no século passado. A fuga de Tolstói de casa tem grande repercussão na imprensa, levando os jornalistas a acompanhar passo a passo os instantes finais do gênio em seu refúgio e a invasão da privacidade perdida. Nem morrer em paz se consegue, é o que sente o escritor, na abordagem de Hoffman.

A Última Estação fica na retina do espectador , não só pela beleza plástica magnífica de um cenário radiante, mas de um filme que retrata com sobriedade um momento histórico da humanidade. Tem méritos maiores ainda ao mostrar com imparcialidade um relacionamento controverso, mas sem nunca deixar escapar o grande amor, com o acompanhamento musical da ópera de Mozart. Um filme para ser apreciado com todo o desnudamento, sem procurar tomar partido do que é certo ou errado na relação a dois. Fica expressa na tela a reflexão da obra de um gênio que deixa seu legado para a posteridade, como sendo o mais importante e necessário para todas as gerações neste extraordinário drama de época.