Bravura Indômita

Vingança e Melancolia

Os irmãos Ethan e Joel Coen têm um estilo e uma elegância para filmar inerentes e personificados como poucos cineastas na atualidade. Assim foi com o extraordinário Onde os Fracos Não Têm Vez (2007), inegavelmente o melhor filme da dupla; o bom Queime Depois de Ler (2008); os instigantes Gosto de Sangue (1984) e O Homem que Não Estava Lá (2001); e o imprevisível e estonteante Fargo (1996). Pode-se discutir se eram grandes filmes ou não, mas jamais seus dotes refinados de fartas sutilezas.

Agora chega aos cinemas sua última realização, o dito remake de Bravura Indômita, filme em que John Wayne obteve seu único Oscar como melhor ator, na versão original de 1969, dirigida pelo mestre Henry Hathaway. Mas tem no papel do agente federal justiceiro cruel Rooster Cogburn, notório por ser um inveterado beberrão e caçador de bandidos, rosnando em vez de falar, sujo e rústico como poucos, interpretado por Jeff Bridges de forma soberba, superando em muito ao rei dos mocinhos Wayne. Há a sutil troca do tapa-olho de lado, passando do esquerdo para o direito na versão atual. Ano passado Bridges ganhou o Oscar de melhor ator pela magnífica atuação no filme Coração Louco (2009), na pele de um famoso cantor e compositor de música country bêbado e decadente. Só não ganhou este ano, assim como Javier Bardem, em Biutiful, por terem levado as estatuetas nos últimos anos.

Dizer que os Irmãos Coen apenas refilmaram este best-seller escrito por Charles Portis é muito pouco e indigno. Em momento algum se afastam do clássico e bom faroeste, filmado no tradicional cenário do Velho Oeste, não se afastam do tom e da dinâmica cinematográfica que embalou muitos anos aficionados do cinema de bangue-bangue. Cada detalhe, movimento da câmera, luz, fotografia, as tabernas, os julgamentos e as execuções sumárias comandadas pelo xerife, e o figurino estão harmonicamente distribuídos com primazia e colocados em seus lugares exatos, pontuais e com fidelidade.

A trama é visceralmente conduzida pela ótica da garota determinada Mattie Ross de 14 anos (Hailee Steinfeld, de surpreendente e maravilhosa interpretação), que busca vingança da morte de seu pai pelo bandoleiro famoso Tom Chaney (Josh Brolin), procurado por outro caçador de bandidos, desta feita o policial texano LaBoeuf (Matt Damon), que aparece sempre nos momentos próprios e impróprios, levando sua tentativa de uma paz forçada ou interesseira. Fica evidente o Complexo de Electra na relação filha e pai, desenvolvida com sutileza até o epílogo.

O desenrolar do western é sem tiroteios forçados ou balas perdidas por tudo quanto é canto e lugares inimagináveis. Segue o melhor estilo dos grandes clássicos, lembra em muito o inesquecível Os Imperdoáveis (1992), de e com Clint Eastwood, onde encontramos uma gama de mocinhos velhos, decadentes, sendo que um deles com apenas um olho, também tendo que cumprir a última missão. Também remete para Rio Vermelho (1948), de Howard Hawks e Arthur Rosson; como não poderia deixar de ter referências em Rastros de Ódio (1956) e No Tempo das Diligências (1939), ambos do genial John Ford, com construções fantásticas de personagens; mas como esquecer Meu Ódio Será Sua Herança (1969), de Sam Peckinpah, ou ainda Os Brutos Também Amam (1953), de George Stevens.

Bravura Indômita tem por finalidade nesta sua nova versão adaptada ao estilo dos Coen, tentar fugir dos velhos clichês da filmagem anterior, bem como esquecer o fantasma de John Wayne, um ator calejado e mito dos faroestes americanos. E consegue com sobras, tendo vida e luz própria, diante do iluminismo e da irreverência, mesmo que contida, dos Irmãos Coen, que sabiam do que lhes aguardavam, e que haveria a inevitável comparação.

Há na música de uma trilha sonora maravilhosa, sendo executada com perfeição, a mola mestra e condutora do longa, ditando o clímax das cenas finais. Os cenários são grandiosos e caracterizadores do Velho Oeste, onde os cavalos estão sincronizados pelas frondosas árvores e de um pôr do sol esplêndido e por vezes revelador de um novo dia, embora tenha no desabafo de Cogburn sobre a velhice que está chegando e se apoderando cada vez mais do seu corpo cansado.

Mas nem tudo é bonito e belo oriundo do espetacular cenário, há a cena do cavalo que corre loucamente pelos campos carregando o anti-herói que busca salvar a garota picada pela cobra peçonhenta. Estabelece-se uma luta feroz contra o tempo e o desabamento do equino é o símbolo do sacrifício e da morte iminente que se avizinha. Na cena final de Mattie Ross envelhecida e procurando Cogburn, contratado por ela como o caçador do algoz do pai; e a revelação do epílogo daquelas pessoas desconhecidas sobre seu destino, faz com que também sinta o tempo passar rapidamente, como bem fica gizado na sua última frase na tela.

A morte é reverenciada com certa ternura no campo santo, tendo na sua condição de solteira sem um futuro definido, vendo o tempo se escoando, conduz para a reflexão no final, como decorrência da dor do desaparecimento e os percalços da vida que a fizeram nem notar como tudo passa rápido, ficando um outro mundo, porém de reminiscências e uma melancolia enternecedora, num grande final com emoção e digno de um clássico do faroeste.

Eu Matei Minha Mãe

Relação Edipiana

O primeiro longa-metragem Eu Matei Minha Mãe, de Xavier Dolan, foi realizado quando o diretor tinha apenas 17 anos, já demonstrando qualidades inegáveis de um promissor cineasta, detentor de um talento bem acima da média. Realizou posteriormente Os Amores Imaginários (2010), onde padeceu da falta de inspiração e se deixou levar pela propaganda gay, sem abordar com profundidade as relações homossexuais, caindo na análise descompromissada e folhetinesca, longe daquele diretor que mostrou subsídios relevantes na primeira amostragem.

Neste seu filme inaugural, Eu Matei Minha Mãe, demonstra firmeza e capacidade de manter um roteiro enxuto, uma direção precisa, com atuações do elenco em grande estilo, como da mãe (Anne Dorval), tendo uma fotografia estupenda e com o convite para pais e filhos verem juntos. O filme tem uma trama aparentemente simples, onde um rapaz de 17 anos não ama sua mãe, usa roupas bregas, briga por pequenos detalhes como a forma que ela come, contemplando-a com desprezo. Os mecanismos de manipulação e a culpabilização empregados por ela também não lhe passam despercebidos, tem um ódio fora do seu controle. Confuso, vaga por uma adolescência marginal e típica, repleta de descobertas artísticas, experiências ilícitas e se assume como homossexual, num tom autobiográfico.

Seria apenas um jovem rebelde conflitado com a mãe? Mas temos as agressões verbais e algumas escaramuças físicas bem preocupantes. Não há harmonia na convivência e a situação torna-se insustentável e explode, quando a mãe descobre o relacionamento do filho com um amigo, através da mãe deste, com dois meses de affair amoroso. Entretanto, Eu Matei Minha Mãe vai esmiuçando aquele intrincado e desastrado impasse familiar, até que entra o pai em cena e a história se complica para o garoto, pois é mandado para um internato. As cobranças começam e a separação dos pais é questionada pelo garoto, diante da incapacidade ilimitada do genitor em resolver situações tensas e complicadas, diante da complexidade emotiva dos fatos que se avolumam. É cobrado por ter abandonado a esposa, estando o filho com 10 anos, e ter desaparecido do cenário e do microcosmo da família.

A relação de amor e ódio de mãe e filho chega ao extremo e os questionamentos e as intermináveis comparações com a genitora do amigo, tendo em vista ser esta uma mulher liberal sexualmente, como também no uso de drogas. Tudo é colocado em xeque de forma arrasadora. O filme atinge um clímax angustiante e o debate se eleva, quando começa a disputa pelo espaço e pela libertação, conduzindo a película para uma análise profunda dos preconceitos sexuais e os limites impostas como sendo regras excessivas ou apenas necessárias, como visto na recente obra-prima francesa Entre os Muros das Escola (2008), Laurent Cantet.

Mas as cenas finais são reveladoras e perturbadoras, diante da expectativa não frustrada de um epílogo contundente e soberbo, como daquele jovem que se mostra forte e determinado, não passa de um ser frágil, carente e dependente do carinho materno especialmente, que tanto clamou e suplicou até aquela cena do reencontro nas rochas, no local definido por ele como o paraíso, após fugir do inferno construído da repulsa ao internato. Também a do diretor que fala na presença masculina e paterna, numa mostra clara e reflexiva da ausência do pai que não sabe e nem entende o clamor daquela criança carente. Outra cena marcante por estar novamente funcionando como reveladora é a do filho em posição fetal na banheira, como se estivesse voltando ao paraíso, mas que metaforicamente é a volta ao útero da mãe, antecipando com magistral condução a cena final. É o brado da falta de carinho, amor e compreensão de uma criatura que anda de um lado para outro, como se fosse um zumbi perdido e agonizante no universo.

Um filme magnífico e digno da qualidade e da atmosfera que foi criado em seu entorno, com um notável diretor prodígio, que roteirizou e atuou como personagem principal, está apto a realizações e saltos ainda maiores, mexendo com dogmas e preconceitos nas turvas relações familiares. Deixa sua marca indelével, como a do relacionamento edipiano evidenciado, quando em sonho materializa a mãe vestida de noiva correndo pelos campos e o filho tentando alcançá-la, fica registrado para antologia do cinema.

Cisne Negro

Esquizofrenia Agoniante

O filme Cisne Negro já revela na primeira cena o perfil psicológico da dançarina Nina (Natalie Portman, em grande atuação), ao enxergar obstáculos na moça escondida atrás da janela, comentando com sua mãe (Barbara Hershey, de impecável desempenho), sobre seu destino e sua busca obstinada pelo papel principal de rainha, adaptada do clássico O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky, na consagrada disputa mitológica entre o bem e o mal.

Aos poucos o longa-metragem vai avançando, os bastidores começam a ser abordados e a inevitável aproximação acontece com o coreógrafo da companhia Thomas Leroy (Vincent Cassel, em grande estilo), com sua fama de conquistador. Mas Nina começa a fantasiar situações inusitadas, cada vez mais vendo fantasmas escondidos em seu cérebro, fruto da degeneração doentia de sua esquizofrenia alarmante, mesclada com dores físicas dos pés e ponta dos dedos deteriorados pelos treinos exaustivos, numa clara alusão e crítica aos excessos cometidos contra as bailarinas de academias de dança de balés. A mãe é superprotera e imagina saber das dificuldades da filha e a mima demais, ou então a esfria, deixando no cenário uma tirania enrustida, fruto de sua frustração como artista de balé, pois não conseguiu sucesso. Vigia com obsessão a virgindade da filha e zela pelos ursinhos de pelúcia que a presenteia, mas por vezes suas atitudes são desconexas da realidade e chegam à inverossimilhança.

As dificuldades são maiores do que as imagináveis e a obstinação e determinismo de Nina chegam ao extremo, deixando os fantasmas interiores se debelarem pelo seu corpo, penetrando na alma e na rotina de sua vida, tornando-a uma pessoa extremamente debilitada e em conflito com o mundo exterior, pois o interior já está abalado inexoravelmente. Surge a figura materna e a culpa pelo suposto fracasso a estarrece, já colocada como iminente de acontecer. Já não suporta mais ser a menininha meiga e a princesinha da mãe, como evidencia sua mente nos comentários dos colegas e pessoas mais próximas. Os demônios afloram e explodem contra a sensualíssima Lily (Mila Kunis), uma colega a quem é atribuído o desencanto de Nina, como sendo iminente a possibilidade de desvalorização e a suposta não consagração almejada. Há o paralelo traçado, então retorna-se a cena inicial da janela, onde a colega é vista como uma adversária malvada e lésbica, originando seus desejos eróticos contidos, induzidos pelo coreógrafo Leroy, a quem pensa que a deseja e a manda masturbar-se para atingir um grau de erotismo compatível com o papel. Com o advento da externação de seus sonhos, há o rompimento das amarras dos preconceitos e tabus.

Entretanto, o diretor é Darren Aronofsky, que dirigiu Pi (1998), O Lutador (2008), seu melhor filme e mais apropriado com a história, e ainda Réquiem para um Sonho (2000). Notório por carregar demais nas cenas de violência, nas automutilações, pernas com fraturas expostas, facadas no abdômen, sangue jorrando, com cenas em que são desnecessárias a exposição gratuita de vísceras, deixando transparecer a banalidade simplória, carregadas em cenas de sexo vulgares e descontextualizados, num roteiro mal elaborado. Cisne Negro começa com uma bela música e a harmonia clássica dos balés dando lugar para as peripécias nos bastidores e todo o intrincado mundo da dança e as competições individuais. Porém, aos poucos o roteiro não resiste e vai se esvaindo, dando lugar para os delírios persecutórios de Nina. O filme começa a descambar para um final previsível e imaginável, diante dos indicativos anunciados no transcorrer da película, com as automutilações caindo no ridículo.

Aronofsky está longe da segurança de palco e do talento de um Vicent Minelli em Gigi (1958), ou Nasce uma Estrela (1947), como está distanciado a léguas de um Bob Fosse em Cabaret (1972). Não merece ser comparado, por ser uma heresia, com magníficas obras como Sapatinhos Vermelhos (1948), de Michael Powell e Emeric Pressburger, sequer com o célebre filme Momento de Decisão (1977), de Herbert Ross; todos artesãos da sétima arte, que lidavam com cenário e atores com uma simplicidade invejável e fruto de suas maestrias diretivas.

Já Cisne Negro é um filme frio e as cenas de dança são meramente convencionais. O conflito entre os cisnes branco e o negro, comentada como a lenda do príncipe que se apaixona pela irmã da princesa acaba se matando, não prospera e afunda, embora prenuncie como o epílogo, sai da ficção sem muita cerimônia e torna-se realidade. O diretor afasta-se da lenda original que caracteriza o balé clássico, como o feiticeiro vestido de negro enganando o príncipe ao fazer sua filha Odile passar por Odete, por quem está apaixonado, com a vitória do mal sobre o bem.

Outro lamentável equívoco é aquela plateia divorciada completamente do palco, num aplauso sem entusiasmo e risível, tornando a dança clássica na lenda dos cisnes resumida numa tragédia esquizofrênica, tal qual a passagem para a personagem principal. Resulta numa realização sem muito sentido e sentimentaloide ao máximo, como uma obra frustrante e que provavelmente passará em branco pela Academia do Oscar, exceto pela grande atuação de Natalie Portman. Não impressiona os truques psicológicos e fica longe de uma obra consistente.

Biutiful

Redenção na Escuridão

O irrequieto e talentoso diretor mexicano Alejandro González Iñarritu, com Biutiful, realiza seu quarto longa-metragem e o primeiro separado de seu roteirista predileto Guilhermo Arriaga, que produzira antes filmes com roteiros interligados como quebra-cabeças, como Amores Brutos (2000), 21 Gramas (2003) e Babel (2006). Traz as assinaturas no roteiro, além da sua, de Armando Bo e Nicolas Giacobone.

Desta feita o cineasta mergulha no submundo da esplendorosa e festejada metrópole que é a cidade espanhola de Barcelona, para mostrar todo seu leque de situações inusitadas, sem o glamour sempre presente de realizações de outros diretores. Aqui são expostas as vísceras de um problema social quase que insolúvel, como os habitantes clandestinos africanos e chineses, especialmente num mundo que vai de belas mulheres que dançam nas boates regadas por bebidas importadas, sob a direção do irmão do protagonista principal. Mas a contradição está logo ali estampada naquele horroroso e mal cheiroso depósito que morrem 25 pessoas tragicamente por asfixia, como nos campos de concentração do Nazismo, decorrente de escapamento de gás dos aquecedores baratos e sem nenhuma segurança, vendidos de forma absurda e sem controle. Embora previsto desde o início, ninguém toma uma atitude, sendo os valores da vida questionados, diante do estarrecedor genocídio pelo acidente.

O mote da trama é a comovente vida de cachorro que leva o casal protagonista e seus dois filhos pequenos. O marido é Uxbal (Javier Bardem) e cabe um comentário à parte, para esta atuação antológica e digna da imortalidade deste papel de doente terminal, deixando para trás personagens inesquecíveis como em Antes do Anoitecer (2000), Segunda-Feira ao Sol (2002), Mar Adentro (2004) e Onde Os Fracos Não Têm Vez (2007). Sua mulher no drama é uma prostituta bipolar (Maricel Álvarez, simplesmente magnífica) que espanca o filho menor (Guillermo Estrella, convincente) por fazer urinar na cama, sob o olhar cândido da irmã Ana (Hanaa Bouchaib, em papel elogiável), que tudo assiste e tenta se solidarizar com a iminente morte do pai, convalescente de um câncer de próstata com metástase nos ossos e no fígado, que busca uma saída no escuro, numa luta desesperada pela redenção familiar.

Numa família desestruturada, embora com a figura do pai presente, leva-se uma vida atormentada, pior que de um cão vira-lata, tendo em Uxbal vivendo de intermediações de forasteiros e suas vendas de produtos piratas e o inevitável envolvimento com drogas. Os dias passam, a doença avança e degenera o pai e a bipolaridade da mãe não cede; mas aquela mãe negra de um filho órfão do pai assassinado nas ruas de Barcelona como um delinquente comum, tentando salvar a mercadoria, surge como uma luz no fim do túnel e uma esperança no horizonte, para tomar conta daquelas crianças adolescentes sem um futuro promissor. Luta contra a vontade de ir embora que é forte e arrebatadora, mas a dúvida aumenta e o contraste também deixa suas feridas abertas, restando uma doce compaixão mesclado ao amor materno como provas cabais e presentes. Mesmo que para isso, contraditoriamente, tenha que viver naquele mundo de excluídos e marginalizados de uma sociedade que os jogou na rua como porcos na pocilga.

Mas o filme não é somente isso, pois tem também a estupenda abordagem da morte, quando pai e filho se encontram na floresta coberta pela neve em flocos no prólogo e no epílogo, com a finitude rondando através da coruja e a fábula do fogo cuspido de sua boca, contada inúmeras vezes, para elucidar a existência humana e o destino dos que partem para a eternidade. Há uma influência de Ingmar Bergman evidente, como nos diálogos doloridos de Gritos e Sussuros (1972) e Morangos Silvestres (1957); bem como sua admiração é inarredável por Pedro Almodóvar, pelo filme Tudo Sobre Minha Mãe (1999).

A morte é vista com resistência por Uxbal que implora para ficar aqui entre nós, em cenas comoventes e delirantes de uma dignidade inimaginável. O prenúncio do fenecimento vem com os pássaros negros que adornam o céu e o trágico desaparecimento dos clandestinos constroem um painel, levando com clareza para um desfecho de choque, tanto nos olhos como nas almas dos espectadores. Os temas são encaixados naturalmente e sem artificialismos corriqueiros, como se a naturalidade espontânea dos fatos fossem avançando. Iñarritu é um diretor que se credencia como dos mais notáveis da era moderna do cinema e nos brinda com esta verdadeira obra-prima deste fantástico longa Biutiful, celebrizado pelas imagens e pelos diálogos construídos entre pais e filhos, como a inesquecível cena do reencontro do filho com o pai morto e embalsamado, após longínquos 40 anos de espera, ao ser retirado do túmulo, que fora vendido para obter dinheiro.

É um filme obrigatório para ser assistido, tanto pela abordagem da morte e a passagem para o além, com toda a dor e a recepção num mundo que aparenta ser mais acolhedor, sem pieguice ou conformismo mas com muita emoção e impacto; como também pela denúncia explícita de valores perdidos, onde a dignidade de vencer os obstáculos se sobrepõe e o impacto da morte só é absorvido, quando a ternura e o carinho atenuam a perda.

Inverno da Alma

A Dor da Dignidade

O longa-metragem Inverno da Alma tem em sua essência o puro cinema, sem invenções mirabolantes ou inovações estéreis e desconexas, onde muitas vezes o filme torna-se prolixo e chato, deixando escapar a chance de fixar uma proposta contundente. Não é à toa que foi o grande Vencedor do Prêmio do Júri do Festival de Sundance de 2010, categoria Drama; também é serio candidato a Melhor Filme no Oscar deste ano.

A jovem e independente diretora americana Debra Granik é estranha a Hollywood e é considerada uma espécie de patinho feio, como se fosse uma alienígena para os apreciadores de filmes comerciais e comprometidos com as diretrizes e normas hollywoodianas, bem como para os acadêmicos do Oscar. É uma cineasta preocupada com o sincronismo, a emoção dosada e a lucidez dos diálogos com suas elipses, tendo como marca uma clara e notável harmonia de ideias e reflexões, sendo uma crítica ácida e até áspera com os americanos ortodoxos e nacionalistas. Pode-se observar na cena em que mostra as camisas estampadas com bandeiras dos EUA, num tom desproporcional e de uma realidade contrária para arroubos e delírios patrióticos.

A trama é simples e o clímax é crescente neste magnífico drama, em que a garota de 17 anos Ree Dolly (Jennifer Lawrence- em grande atuação e indicada ao Globo de Ouro como melhor atriz dramática) procura pelo pai, um fora da lei, que deixou-a cuidando de seus dois irmãos também menores e da mãe com problemas mentais; tal qual a enfermidade de seu país que paga adiantado pelo alistamento dos jovens para entrarem na guerra, ou estarem em lugares bem longe da família. Ficou bem evidenciado nos diálogos no Setor de Recrutamento do Exército, quando tentara fazer sua inscrição para abocanhar uma razoável quantia em dinheiro e pagar as dívidas remanescentes do genitor que deixou a residência, uma pequena propriedade rural, totalmente alienada, com a promessa de apresentar-se na audiência de instrução, por estar em liberdade condicional.

A procura é estafante pelo pai que é intimado peremptoriamente. Os parentes de sangue também começam a abandonar a causa, deixando-a numa situação constrangedora e comovente que leva Ree ao desespero. Surge o auxílio tímido no início e abrangente no final do tio Tardrop (John Hawkes- numa maiúscula atuação que levou-o a indicação de melhor ator coadjuvante no Oscar). É um viciado em cocaína, mas de coração mole que assume aos poucos a figura paterna da sobrinha e de seus irmãos, naquela comunidade sombria, de pessoas esquisitas e estranhas, obstinadas pela arrogância e o intuito da violência explícita à flor da pele, de gestos e atitudes atemorizantes. O envolvimento é quase que completo de todos, inclusive daquele obscuro xerife, com atitudes e demonstrações de cumplicidade naquele imenso conluio de ilegalidade no tráfico de drogas. A lei do silêncio impera e quem transgride terá sua sentença irrevogável decretada. Por isso os tiros ao alvo dados por Ree e o ensinamento às crianças são uma defesa imposta, ainda que incivilizada.

O longa vai atingindo um crescendo numa atmosfera própria de temor e dor, de compreensão e complexidade, sem nunca cair no efêmero ou na obviedade, como na cena do pântano, em que Ree entra naquela pequena embarcação com aquelas mulheres que lhe surraram barbaramente, na busca frenética pelo corpo do pai e no corte das mãos com a serra elétrica- seria uma punição para as mãos que cortam e devastam as florestas?-, atinge momentos de dramaticidade e suspense com a verossimilhança que os fatos vão se ajustando aos poucos, embora fique a dúvida da veracidade da informação, diante da expectativa da cilada que se esgota somente na cena final. Há todos os ingredientes necessários, tais como a noite escura tendo dentro dela o barco deslizando suavemente pelas águas lodosas, tendo nas sombras das árvores atuando como se fossem criaturas escondidas e prontas para atacarem.

Outra cena de eloquência e rara beleza é aquela em que o tio Tardrop leva os dois pintinhos e deposita-os nas mãos daquelas duas crianças desprotegidas, mas que saberão fazer com seus presentes simbólicos, numa clara alegoria dos irmãos com os filhotinhos recém-nascidos, que não podem ser abandonados, assim como a irmã mais velha recebe o dinheiro sujo, também se vê na obrigação de cuidar e dar afeto para com seus manos e a mãe doente, reconstruindo o núcleo familiar.

Inverno da Alma tem a beleza e o encanto das cenas num cenário de campos, animais e árvores que compõem aquela bela floresta seriamente ameaçada de extinção pelo homem e a sua motossera, numa manifesta denúncia em defesa da natureza. Sem esquecer a cena simbólica da vizinha ao acolher o cavalo de Ree, que estava sem comer há quatro dias, divide o feno caro e raro de seus equinos como prova de solidariedade e amor ao próximo. Um pequeno grande filme que marca pela sensibilidade e sutileza, com o intuito da exuberante paixão pelo cinema de Debra Granik, evidenciando o acerto em cheio da diretora, deixando a reflexão sobre as perdas pela vida e a ameaça à natureza, assim como a continuação pela dignidade de viver se solidifica como um grande achado.