O Mercado de Notícias

Jornalismo em Xeque

O diretor gaúcho Jorge Furtado lança dúvidas e debate o futuro do jornalismo ao colocar novas luzes sobre a polêmica do fim do jornal impresso, a evolução da internet, a ética e os interesses econômicos das grandes companhias jornalísticas. Buscou na imprensa vários profissionais renomados como Jânio de Freitas (Folha de São Paulo), Cristiana Lôbo, Geneton Moraes Neto e Renata Lo Prete (Globo News), Luis Nassif (On-line), Mino Carta (Carta Capital), Bob Fernandes (Terra e TV Gazeta), José Roberto Toledo (Estado de São Paulo), Paulo Moreira Leite (Isto É), entre tantos para extrair o substrato de cada entrevistado no filme, que fixa como ponto culminante o papel da mídia e sua influência na democracia com os avanços e retrocessos das notícias do dia a dia.

Em seu longa anterior, Saneamento Básico (2007), havia uma filme dentro de outro para demonstrar a forma dos moradores reunidos e que seria estrelado por um mostro que vive nas obras de construção de uma fossa; mas em Ilha das Flores (1989), um curta-metragem do gênero documentário, trabalho mais famoso do realizador, trazia imagens de várias origens para ilustrar e demonstrar os aspectos da miséria humana e a perda da dignidade nas cenas de crianças brincando e comendo com os porcos e adultos no lixão da reciclagem. Eram circunstâncias externas e linhas paralelas que davam suporte para esclarecer o ponto de vista enfocado com grande virtude pelo diretor na abordagem do tema que lhe rendeu vários prêmios e reconhecimento nacional como projeção. Já em O Homem que Copiava (2003), a narrativa ficcional contrastava a inverdade com o real, numa mescla um tanto vazia de um jovem que trabalha numa fotocopiadora e tem uma vida comum, se apaixona pela vizinha, a qual passa a observar com um binóculo em seu quarto, tentará obter dinheiro de maneira fantasiosa.

O Mercado de Notícias é um documentário mesclado com teatro, convence por ser bem conduzido por Furtado, responsável também pelo roteiro que permeia os relatos com atos da peça cômica homônima do dramaturgo inglês Ben Jonson (1573-1637), um cultor da sátira irreverente, foi um dos primeiros jornalistas a investigar e levar ao público temas que não eram do conhecimento dos primeiros leitores de jornais. É uma típica viagem no tempo desde o surgimento da imprensa, no século XVII, até os dias de hoje, em que a voracidade para informar é cada vez maior, às vezes atropela os princípios básicos do jornalismo, como ouvir os dois lados, causando injustiça e destruição como no rumoroso caso das falsidades divulgadas sobre a Escola Base de São Paulo, em que prevalece a mentira sobrepondo-se ao desmentido da matéria que mereceu uma pequena nota de rodapé. Outro fato relatado com contundência por um entrevistado se refere a história relacionada de uma reprodução singela de um quadro de Pablo Picasso, apontada por um jornal como obra original e guardado numa repartição pública em troca de uma dívida do governo, o interlocutor descobre e reclama asperamente como um contribuinte lesado.

O cineasta começa seu filme apresentando os atores da peça aos espectadores, entre os quais: Zé Adão Barbosa, Elisa Volpatto e Nelson Diniz, na qual irá construir um painel sobre as verdades e mentiras. Já no prólogo há o universo das situações fáticas e o futuro da imprensa como um poder sempre preponderante para o fortalecimento democrático das instituições. Além da versão livre da montagem, inova e transforma o documentário com boas e reveladoras entrevistas de jornalistas atuantes de jornais, sites e de televisão. Uma mescla que irá render frutos para um debate simples e direto, passando primeiro pelo ensaio, depois a encenação e finalmente os diversos depoimentos sinceros sobre a atividade tão criticada pelo dramaturgo no século XV, em que se iniciou propriamente dito o papel da mídia e sua influência como força de representação da sociedade.

O filme é bem construído dentro de duas estruturas divididas em criativos capítulos que irão formatar sua origem: documentário e ato que irão interagir com a plateia, afasta-se do maniqueísmo, busca uma crítica ácida aos meios de comunicação e a dependência econômica, principalmente com o dinheiro público e sua influência para tentar afastar a crítica, numa reflexão sobre as consequências das engrenagens quando há manipulação. Embora alguns profissionais se declarem isentos, afirmando não saberem quem patrocinam seus espaços, fica evidente por outro lado que o autor da matéria sofre influência implícita ou até explícita, como declara um entrevistado: jornalista é empregado.

Furtado debate a essência do jornalismo e suas origens, como a busca da verdade onde aconteceram os fatos e as fontes fidedignas e seus interesses na publicação da matéria, bem como a obrigação desta escolha. A necessidade clara e convicta de encontrar a novidade, de revelar novas histórias com equilíbrio no desejo urgente de soltar a matéria, passando pelo crivo traumático de ferir a suscetibilidade do empregador que tem interesse econômico para sobreviver. Nas entrelinhas do documentário está a dúvida do profissional sério e ético com os equívocos que poderão render dissabores enormes, faz-se a defesa da retidão, embora esteja presente a ausência da neutralidade, porém manter-se imparcial na notícia soa como um salvo-conduto cada vez mais distante da sombria realidade de tempos fustigados pelo dinheiro, como encenado pelos personagens Expectativa, Censura, Tagarela, Prazeres e Pecúnia.

A proposta de O Mercado de Notícias é interessante e peca por não avançar mais na crítica à mídia televisiva de baixo nível intelectual e informativo, mas não invalida a obra, a melhor desde Ilha das Flores. O filme tem bons momentos de manifestações equilibradas e de bom censo. Deixa um certo pessimismo no ar sobre o futuro da imprensa escrita e seriamente ameaçada de desaparecer, diante do surgimento da era virtual e sua fúria informativa com erros crassos e um vazio de intelecto pelas omissões frequentes, pelos atropelos sob o prisma da ânsia de informar está bem sustentado pelo perigo que poderá representar os novos meios de comunicação. O debate através deste documentário tem uma boa dose de contribuição histórica num contexto perverso.

Uma Dose Violenta de Qualquer Coisa

Sem Destino

Depois de sete curtas-metragens, entre eles Danae (2004) e Uma Noite com Ela (2005), o diretor brasiliense Gustavo Galvão estreou em longas com Nove Crônicas para um Coração aos Berros (2012), marcado por episódios num mosaico de relações humanas e situações cotidianas, diante da intensa necessidade da reinvenção. Com um orçamento de R$700 mil, foi realizado o segundo longa-metragem, Uma Dose Violenta de Qualquer Coisa, a partir de um título extraído do poeta americano Allen Ginsberg, conhecido pelo seu livro de poesia Howl da geração beat, o cineasta desenvolve a história pontilhada pela ansiedade de um rapaz fugitivo de si mesmo e das coisas que deixou para trás em Brasília, para sorver a emoção da estrada e suas incertezas diárias na vida.

A trama tem dois angustiados e irrequietos personagens oriundos de Brasília, com propósitos diferentes encontram-se por acaso numa lanchonete de beira de estrada. O sonhador e apático Pedro (Vinícius Ferreira) que foge da namorada e de algo obscuro pouco definido que o incomoda em sua cidade, na qual há os problemas inerentes da capital brasileira e seus excessos políticos de tramoias requintadas, tenta apagar os vínculos do passado ao pegar o asfalto. Vai buscar um oposto, que nem ele sabe o que é realmente, dentro de uma atmosfera libertária, conhecerá o transmudado Lucas (Marat Descartes), em que este convida-o com seu humor cáustico para acompanhá-lo com as duas garotas disponíveis, mas com a negativa há um constrangimento que acaba por sacramentar a posteriori um vínculo estreito entre os dois.

A dupla de jovens, na faixa dos 30 anos, leva apenas a roupa do corpo, em nada tem a perder, quer mesmo descobrir o interior do Brasil, embora houvesse uma intenção inicial de ir até Pernambuco, acaba mesmo percorrendo o trajeto de Goiás a Minas Gerais. Os rapazes passam por Ouro Preto de opulência barroca, cruzam por Uberaba, Montes Claros e Lavras, acompanhados pela intensidade frenética da trilha sonora, reflexo de um estado anímico dos personagens com seus psicológicos embalados pela adrenalina pura da viagem sem rumo no roteiro de Bernardo Scartezini, Cristiane Oliveira e do próprio diretor.

O drama é um retrato de dois brasilienses que querem discutir as situações locais e nacionais, mas numa narrativa típica dentro de um contexto de um cinema road movie, visto recentemente no irregular A Última Estrada da Praia (2011), do gaúcho Fabiano Souza ou no instigante Na Estrada (2012), de Walter Salles, na transposição do best-seller de Jack Kerouac On The Road, de 1957, levado pela primeira vez às telas do cinema. Galvão tenta fugir do convencional, mas esbarra no panfletário discurso da liberalidade e de discutíveis conexões com um traficante paraguaio (Leonardo Medeiros), sem aprofundar-se na causa e nos efeitos e as consequências nefastas, bem como na aflita mulher (Maria Manoella) em processo de separação e atrás dos filhos raptados pelo ex-marido. Embora haja o reconhecimento do realizador no trabalho de um cinema independe, há evidentes traços repetitivos de uma mesmice da busca do nada.

Uma Dose Violenta de Qualquer Coisa está inserido num contexto que cultua a individualidade em detrimento do coletivo, mas afasta-se da abordagem de temas mais polêmicos, compartilha situações paradoxais que transitam do cômico para o trágico, ao tentar superar angústias de outrora com um futuro sem objetivo, mas dentro de uma transformação da dupla que ruma para buscar muita aventura, sem um percurso definido, deixando a vida passar sem nenhuma pressa ou objetivo, que não seja beber e fumar. Uma viagem improvável de rumos irrefreados a cada parada, sem um norte, ou apenas tendo como lema a inspiração para estar bem longe de uma Brasília recheada de leis e normas.

O filme é a busca voraz e sem um regramento de preocupação com ditames sociais estabelecidos por uma sociedade rejeitada. Embora esteja distante de manter o clímax narrativo esperado, há a proposta de libertar as amarras das facilidades, parte para a ruptura propriamente dita de pessoas perdidas que não querem permanecer no mundo civilizatório, mesmo sem ter consistência de uma estrutura sólida construtiva de personagens, deixa se levar pelo imaginário e a formação de vidas conflitadas com seus destinos pelo modus operandis sem nexos existenciais profundos, com diálogos substituídos pelo silêncio à procura de um sentido abstrato e efêmero, pouco eficiente e vazio na essência.

O Homem das Multidões

A Solidão

A dupla de cineastas Cao Guimarães e Marcelo Gomes realizou uma obra fascinante neste O Homem das Multidões, sob o ponto de vista da aproximação de dois seres humanos num contexto de solidão e melancolia na metrópole de Belo Horizonte. Os diretores retratam um drama intimista com diferenças e afinidades que irão se aproximando com o tempo, no contraste da lente de filmar que os mantêm sempre afastados da realidade da cidade grande. O painel irá refletir os dois personagens centrais próximos fisicamente e distantes no aspecto emocional e psicológico, abalados pelas circunstâncias das respectivas presenças de um e de outro, onde se confunde amor com amizade. Guimarães buscou inspiração no conto homônimo de Edgar Allan Poe, para fechar a Trilogia da Solidão, que iniciou com os documentários Alma do Osso (2004) e Andarilho (2006).

O filme está bem alicerçado na estrutura dos protagonistas Juvenal (Paulo André- de sóbria interpretação) e Margô (Silvia Lourenço) na lógica da solidão, como bem explorado na singular película argentina Medianeras (2011), de Gustavo Taretto, onde dois vizinhos solitários que não se conhecem, embora morem no mesmo prédio, mergulhados no vazio existencial no mundo da era virtual e moderna. Há também a mesma solidão que tenta aproximar dois vizinhos pelo impasse da construção de uma janela, em outro longa argentino O Homem ao Lado (2009), de Mariano Cohn e Gastón Duprat. Ou ainda no comovente Ela (2013), de Spike Jonze, quando a relação amorosa explode de um homem por uma voz feminina computadorizada que passa a ser sua namorada, aborda as atitudes de pessoas, que cada vez mais estão fora do realismo do mundo, sem chão e sem perspectiva.

A trama tem de um lado Juvenal, um metroviário que está sempre à procura de um foco no horizonte perdido, chega a dormir no controle da cabine, sendo salvo pelo “homem morto”, um dispositivo que alerta para os esquecidos para evitar acidentes. Tem a rotina de um frequentador contumaz de lugares abarrotados por pessoas, ao andar repetidamente nos mesmos ambientes como um autômato invisível na multidão sempre incomunicável. Do lado oposto tem Margô, a colega que controla o fluxo dos vagões e que está de casamento marcado, através de um fortuito romance na internet, convida o colega para ser seu padrinho na cerimônia, na busca da felicidade plena embalada e referendada pela trilha sonora.

O longa avança na narrativa, diante do convite do apadrinhamento feito pela moça para o rapaz, sendo que a partir deste momento único há uma aproximação pela amizade existente entre ambos, que parecem assustados com a situação inusitada que abre uma fresta para um vínculo mais profundo, que teima em resistir. Não há ação, apenas o silêncio com os ruídos externos que predominam os encontros, como bem enfatizado no excelente O Som ao Redor (2012), de Kleber Mendonça Filho, ao mostrar o coronelismo e seu domínio territorial no bairro, sem perder a poesia com sensibilidade sensorial dos sonhos convulsivos que poderão ser realidade. O Homem das Multidões cresce ainda mais no retrato fiel e instigante da solidão, como no estupendo Encontros e Desencontros (2003), de Sofia Coppola, paralisante e arrebatador na abordagem de dois personagens sozinhos o tempo todo, sofrendo com o fuso horário em Tóquio, não conseguem dormir e se encontram por acaso, no bar de um hotel de luxo. Ou no inesquecível episódio Shaking Tokio, dentro do longa Tóquio (2008), do sul-coreano Bong Joon-ho, num dos mais devastadores relatos de solidão humana, onde um jovem está enclausurado em sua própria casa há mais de 10 anos, isolado do mundo e das pessoas, exceto quando recebe o entregador de pizzas.

O drama é realizado num clímax claustrofóbico que sugere a prisão dos protagonistas, em que os diretores inovam na filmagem dentro de um retângulo de imagens 3x3, num formato de isolamento por enquadramento com planos distantes e bastante contraplanos para realizar o espaço do quadro a quadro. O espectador pode então lançar seu olhar de preocupação e intervir como se fosse participante da angústia destruidora. As visualizações do casal são ambientadas por uma bela fotografia esmaecida em tons pastéis e com visão de dor e tristeza, dentro do silêncio onipresente, quase nauseante pela falta da interação, com as subidas e descidas de escadas rolantes e o foco vai ao encontro das pessoas nos seus fluxos rotineiros, entre elas observar de casa ou sentar no banco do parque para assistir os pedestres andando em remoinho.

Os diretores enfatizam com pertinência Juvenal fazendo sempre as mesmas coisas: caminha na multidão, ouve rádio, come e bebe, faz a limpeza da residência e reclama instintivamente por sussurros. Uma rotina silenciosa e martirizante sob o prisma da normalidade, diante da alma que parece doer sempre e o sentido da vida inexiste como objetivo para a convivência social. Sobra pouco de vida para aquele existente vazio urbano desalentador, sem perspectiva e pessimista, para duas pessoas caladas e retraídas pela inércia, ausentes do mundo real e inevitavelmente melancólicos e aniquilados pela imensidão da metrópole, neste magnífico ensaio reflexivo sobre a solidão, um dos grandes males dos tempos modernos.

Riocorrente

Mudanças Simbólicas

Paulo Sacramento estreou no documentário O Prisioneiro da Grade de Ferro (2003), abordando a Casa de Detenção Carandiru um ano antes da desativação, mostra detentos que aprenderam a utilizar câmeras de vídeo e documentam o cotidiano do maior presídio da América Latina. Riocorrente é o segundo longa do diretor que retrata um triângulo amoroso num contexto hermético no cenário da São Paulo fria, sombria e asfixiante que abriga seus personagens tentando dialogar com o espectador, numa narrativa para um público restrito. Levou o prêmio de melhor filme brasileiro na última Mostra de Cinema de São Paulo e de melhor montagem e fotografia no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro do ano passado.

A trama gira em torno de Carlos (Lee Taylor), um ex-ladrão de carros que está insatisfeito com o subemprego de um desmanche de automóveis, mostra-se uma pessoa difícil e violenta nas suas atitudes, principalmente com a namorada Renata (Simone Iliescu), uma jovem misteriosa, sonhadora e romântica. Ela também se relaciona com Marcelo (Roberto Audio), um jornalista cultural antiquado que não aceita a transformação da passagem da máquina de escrever manual para as tecnologias modernas.

O trio desafortunado forma uma relação sufocante, na qual a garota provoca seus parceiros pelo poder de persuasão, causando a explosão sanguínea em um e o abatimento depressivo noutro, numa condição perturbada num contexto rotineiro de uma metrópole ensandecida e repleta de armadilhas. Todos são levados para um limite sensorial de desafios para uma nova realidade. Ainda há o pivete Exu (Vinicius dos Anjos), que Carlos cuida como se fosse um familiar, mas ele passa o tempo todo perambulando pelas ruas da cidade, arranha os carros para demonstrar sua insatisfação com o mundo e observa horizonte como uma alma penada.

Sacramento foi montador e produtor de A Concepção (2005), de José Eduardo Belmonte e Encarnação do Demônio (2007), de José Mojica Marins, editou Amarelo Manga (2002), de Cláudio Assis, Chega de Saudade (2007), de Laís Bodanzky e É Proibido Fumar (2009), de Anna Muylaert. Buscou atores no teatro, desconhecidos do grande público, para dar uma consistência de dramaturgia em Riocorrente- expressão buscada no romance Finnegans Wake, de James Joyce, publicado em 1939, palavra que abre a obra do escritor- para refletir sobre a violência diária que permeia ao longo do filme pela trilha sonora de suspense de Paulo Beto, passa pelo show de Arnaldo Baptista e vai ao encontro da entrevista do artista plástico Marcelo Grassmann.

O longa, misto de drama e ensaio, refuta a trajetória da lógica para alicerçar sua estrutura em metáforas, de certa forma excessivas e que abarrotam o enredo: o leão enclausurado e seus olhos de insatisfação pelas grades como uma ironia da prisão ou o fogo prestes a explodir na cidade que não para, saindo chamas da cabeça do truculento Carlos, são apenas duas para um rol de designações retóricas dentro de uma alegoria sugerida. Do embate dos desejos imaginados pelos personagens surge o imobilismo contrastando com a ânsia de mudanças drásticas no eixo do conflito existencial das relações interpessoais que irão de encontro com a cidade distante dos anseios.

A história proposta pelo cineasta entre as três criaturas foge da linearidade e segue um ritmo circular de decisões sofridas num cenário urbano angustiante que beira ao estímulo feérico, como os semáforos vermelhos que não seguem a ordem cronológica da mudança para o verde, como um indicativo sugerido da transformação que teima em não acontecer para os indivíduos que seguem uma rotina na transmutada pauliceia vivenciando seus pesadelos do trânsito com o pedestre.

Riocorrente não é um filme para um público desacostumado com as alegorias, pois é uma obra de símbolos sem a narrativa clássica. Mas há em suas imagens os tradicionais desmanches de carros, prédios gradeados, rios poluídos, circos com animais enclausurados, através da ótica do triângulo de pessoas sofridas e desatinadas com o futuro. Há um retrato fatídico da indiferença das pessoas com o urbano de uma metrópole caótica. Embora a proposta ouse, o resultado é bem óbvio no seu epílogo, como as frustrações do renascimento das cinzas de fênix. Há méritos evidentes, sem ser tão revolucionário como proposto, mas deixa um resultado satisfatório se comparado com outras produções inócuas, por ser instigante e reflexivo.