De Volta Para Casa

 

Agonia da Finitude

Wayne Wang é um veterano diretor nascido em Hong Kong, mas formado nos EUA, tendo sido o primeiro cineasta asiático-americano a conseguir projeção na cinematografia norte-americana, com sua estreia na direção em O Clube da Felicidade e da Sorte (1993). Depois vieram Sem Fôlego e Cortina de Fumaça, ambos de 1995, realizações que o projetaram como um pioneiro importante no cenário independente dos anos 1980. Seu interesse permanente sempre foi por ideias sobre os deslocamentos e a assimilação do imigrante em novos horizontes com temas mais recorrentes nas ficções americanas, servindo de subtema em faroestes a dramas familiares, que irão lhe dar subsídios para sua criação. Faz filmes baseados na observação, mas é a vida, com sua simplicidade e complexidade, que está sendo colocada na tela e se diz um admirador do mestre japonês Yasujiro Ozu. Chega agora ao seu décimo quarto longa-metragem, no admirável De Volta Para Casa, através de um roteiro adaptado do ensaio pessoal do escritor coreano-americano Lee Chang-Rae para a revista The New Yorker, que depois foi coescrito em parceria pela dupla.

A trama gira em torno da saga de uma mãe (Jackie Chung), famosa atriz de teatro que está nos últimos estágios de um agressivo câncer de estômago com metástase, e seu filho, Chang-Rae (Justin Chon), um escritor de algum sucesso, que deixa emprego e namorada para trás, retornando dos EUA para casa com o intuito de cuidar da genitora. O filme tem um aceitável ponto de partida para tratar do tema da morte iminente e da experiência de assimilação que retrata esse desencontro na vida entre o filho americano e a mãe coreana. Eles dividirão o mesmo espaço, falam o mínimo para valorizar o indispensável silêncio, enquanto que a finitude pela perda não bate à porta. O rapaz tem como rotina começar o dia cuidando sozinho da enferma, pois o pai está sempre ausente em suas atividades profissionais e fica implícita sua traição com outra mulher; já a irmã retorna depois de algum tempo em que permaneceu fora para tentar convencer os familiares sobre o uso de um tratamento alternativo de imunoterapia, logo após a mãe ter comunicado que desistiu da medicação tradicional para morrer sem sofrimento.

As habilidades culinárias são desenvolvidas durante o desenrolar do enredo, sendo confundido como uma realização gastronômica que integra à dramaturgia em algumas passagens, como o filho preparando para a família um jantar tradicional. Dividido entre a realidade americana e a herança coreana do Ano Novo, ele articula um prato típico, o kalbi, seguindo a receita da mãe para pinçar sua ligação forte de vínculo afetivo inquestionável. Menciona a costela marinada com gengibre, na qual a carne tem de permanecer ligada ao osso para realçar o gosto naquele banquete crepuscular. Na hora de servir, veste um traje de gala, prevendo ser a última refeição com a mãe, que tosse compulsivamente, dando mostras da saúde precária. Todos tentam uma felicidade distante e forjada de reconhecimento. São cenas que emocionam pelas memórias buscadas no passado que virão à tona para uma apreciação sobre alguns momentos decisivos enfrentados com as expectativas e planos projetados pelos pais.

Temas como a morte, solidão e doença foram exploradas com méritos inegáveis pelo genial Ingmar Bergman em Morangos Silvestres (1957) e na incomparável e inigualável obra-prima Gritos e Sussurros (1972); em Viver (1952), de Akira Kurosawa, ou ainda em Amor (2012), de Michael Haneke, que explora um naturalismo exposto como vísceras e a dacadência humana intensa, embora bergmaniano na abordagem proposta, teve na forma a crueza direta e em nada comparável com a estética criativa e metafórica dos mestres inspiradores. Wang faz um painel misto de intimidade de microcosmo familiar pontuando a distância entre o filho educado nas melhores escolas da sociedade americana e a mãe tradicional da sociedade coreana. Aborda as tensões familiares contrapondo a dificuldade da convalescença materna como sendo figura central para ele, através de flashbacks recentes e outros da juventude do jovem. Rodado naquele cenário de um pequeno apartamento com bonita vista em que a câmera fica estática, na maioria das vezes, na sala e no quarto ao lado, onde está uma mulher agonizando na cama. Os membros da casa estão, aparentemente, unidos pela dor na experiência melancólica da angústia de um ente querido em estado de decrepitude com o passar do tempo. Méritos para o realizador que não descamba para o melodrama sentimental apelativo barato, ao construir um cenário com personagens fortes, às vezes revoltados com o destino, mas compreensível no contexto, com contidas emoções existenciais sobre o progressivo fim do ser humano.

O drama mergulha em alguns pequenos rancores e o reconhecimento mútuo de duas pessoas que partilharam uma vida com algum distanciamento fruto da sobrevivência. Um filme com força dramática, sombrio e reflexivo sobre a doença e a morte, onde o silêncio prevalece sobre os poucos diálogos e expressões corporais, mas que são reveladores quando há, com muitas imagens em que os olhares dos personagens falam por si só. Ou ainda, quando a mãe cantarola a famosa canção Let It Be, dos The Beatles, mas desabafa dizendo como pode uma música tão linda se tornar feia. De Volta Para Casa é instigante sobre o distanciamento e a aproximação nas relações humanas do grande amor maternal. A dor dilacerante corta e mexe com o espectador e suas emoções, mesmo sem ser um filme de grandiloquência, mas que se estende pelas dependências do lar. O cineasta conduz a história sem arroubos ou manifestações esperançosas já antecipadas no prólogo e depois na aproximação do ocaso da vida, com uma única metáfora que é buscada na relação carne e osso entre mãe filho na aula de culinária. Elogiável a magnífica cena final do retorno do casal do aeroporto, sem as amarras do sofrimento angustiante da moléstia devastadora e implacável, numa poética licença lírica de dignidade com propriedade, mas com um olhar implacável.

Bagdá Vive em Mim

Fantasmas do Passado

O partido de Saddam Hussein passou a governar o Iraque, em 1968, logo após ter dado um golpe de Estado, tendo o ditador assumido o poder, em 1979. Envolveu-se em conflitos armados com o Irã e o Kuwait, tornando-se alvo da Guerra ao Terror patrocinada pelos Estados Unidos após o atentado às Torres Gêmeas, em setembro de 2001. As forças de coalizão ligadas aos norte-americanos invadiram o Iraque, em 2003, derrubaram Saddam, e em 2006, foi executado. O instigante filme Bagdá Vive em Mim é uma coprodução da Suíça, Alemanha e o Reino Unido, embora haja simplicidade no seu desenrolar, é um drama mesclado com romance e política na sua genuína essência cinematográfica. O diretor e roteirista iraquiano Samir está exilado na Suíça e, em entrevista ao jornal Estado de Minas, conta que depois da revolução de 1958, os comunistas foram perseguidos por forças apoiadas pelos EUA e a CIA. “Eu era criança e me disseram: 'Vamos passar férias na Suíça’. Ninguém me disse que seríamos refugiados. Não ficamos um mês, quatro meses ou quatro anos. Passaram-se 40 anos da minha vida”. De acordo com o realizador, Brasil e Iraque têm muitas semelhanças, que vão além da influência da religião ou do passado marcado pela ditadura, e revela ter se inspirado no cineasta Glauber Rocha (1939-1981): “Me inspirei muito no cinema brasileiro dos anos 1970, vi muitos filmes políticos e experimentais do Brasil naquele tempo”.

Samir aborda com certa profundidade temas para uma boa reflexão, tais como os tabus da sociedade árabe, a religião, o machismo de seu povo, a homofobia explícita, os aspectos culturais e principalmente a política do passado ainda reinante no Iraque. Faz um retrato alegórico fiel e com tintas fortes do regime arbitrário, de poucos ou quase nenhum direito, representado simbolicamente por um grupo de imigrantes que transformam o café londrino Abu Nawas num refúgio de iraquianos que já não têm mais espaço em seu país. Buscam preservar com galhardia sua cultura em meio a discutíveis valores ocidentais. Cada personagem, que teve o seu motivo para abandonar a pátria, precisa lidar com fantasmas do passado para seguir em frente. Há sucessivos desafios a serem enfrentados diariamente naquele recinto que deveria ser de puro entretenimento, mas que sofre atentados e dissabores já recorrentes para um sofrido povo que não se senta nas mesas para rir, mas se apoiam nas xícaras para lutar pela sobrevivência. Além de carregarem os traumas e as chagas fétidas de um tempo nem tão distante, que permanecem pelas circunstâncias que são apresentadas em um roteiro dinâmico. O olhar é de desencanto, sem reminiscências pueris lacrimejantes, pelas lentes deste promissor cineasta atento aos acontecimentos de sua aldeia que nunca esqueceu.

A trama é conduzida pelo poeta Taufiq (Haitham Abdel-Razzaq), que faz uma narrativa imparcial e dolorida através do personagem atual na pele do guarda-noturno. Aos poucos, descobre-se os horrores que passou em Bagdá ao ser torturado numa tragédia pessoal traumatizante pelas marcas físicas no corpo que ainda carrega e o levou à Europa. Por ser comunista e contrário ao fundamentalismo islâmico, foi perseguido pelo regime de Saddam nos anos de 1990. Embora tenha fugido para Londres, traz a dor da morte do irmão e sua noiva que foram assassinados pelo inescrupuloso e violento regime ditatorial. Em comum, os personagens têm a mesma origem, como a arquiteta Amal (Zahraa Ghandour), que não consegue validar o diploma e virou garçonete. Ela representa a libertação feminina no contexto árabe para fugir do ex-marido Ahmed (Ali Daim Mailiki), um temido espião de Saddam, que surge na capital inglesa como o endemoniado adido cultural do Iraque. Porém, vive uma tensão permanente entre seu desejo por liberdade contrapondo com a pressão da sua comunidade que não aceita que se case com um homem não iraquiano, embora tenha se apaixonado por um britânico. Samir revela que parte da juventude do país não se alinha a valores extremistas e seus ideais são confrontados pelo fundamentalismo religioso. Há o técnico de informática homossexual que esconde o namorado com medo de represálias, tendo de lidar com as risadas e provocações dos conterrâneos, além do jovem problemático que vai a uma mesquita radical ouvir sermões e acaba se convertendo no islamismo radical.

O filme mostra como as diásporas são variadas, embora o realizador esteja voltado essencialmente para as coisas do cotidiano de seu país, ainda que tenha filmado em Londres, bem distante de seu povo, não se afasta das relações intrincadas e apresentadas com naturalidade a dramaticidade decorrente de uma situação provocada por um governo autocrático com suas crises políticas e perseguições aos opositores, ao ser explorado com talento e sensibilidade. A tensão estabelecida nos personagens bem construídos, como se fossem de carne e osso, retrata a garçonete, o gay e o rapaz convertido, nada mais é do que o conflito instalado que trará muitas revelações pretéritas com feridas abertas sem cicatrização que tentam ser removidas, apesar da crueza e de uma sucessão de fatos e circunstâncias de personagens que conviveram e discutiram as nuances marcadas pelo tempo. Há um imbróglio com trocas de acusações, principalmente pelos costumes rígidos de uma sociedade moralista com seus sentimentos e escrúpulos conservadores dentro de um vazio existencial latente. As mulheres e os homossexuais não passam de meros coadjuvantes e de restritos direitos. O foco tem o viés da visão das minorias, pois há entre os homens o sentimento arraigado preconceituoso pela manutenção dos tabus.

Bagdá Vive em Mim retrata um presente muito atual com verdades do passado irrecuperáveis para uma reflexão sobre os temas abordados que estão marcados em cada personagem. Está bem demonstrada nesta realização com dignidade, diante da interação estabelecida com o espectador. O diretor lança as dúvidas e não radicaliza com os elementos representados da força e da opressão. A emoção é contida com um tom que deriva de uma situação peculiar para a complexidade do enredo e do rol de refugiados que se alinham em conflitos quase que insolúveis, aparentemente. Todavia, nem mesmo o que há como subsídios fortes de ligação justificam as atitudes que ficam à deriva como consequência de um regime totalitário implantado como forma de subtrair ideias e manifestações livres das angústias que os acompanham. As temáticas são consistentes e intimistas do realizador que se detém na abordagem política, cultural, familiar, tabus da sociedade, religião, machismo e homofobia como forma de interagir com seus compatriotas. É significativa a importância dada às palavras nos diálogos numa forma bem estruturada do enredo. Ficou distante do maniqueísmo, através de uma segura direção com um elenco impecável que dá brilho nesta obra admirável no conteúdo e magnífica no contexto.