Os 10 Melhores Filmes do Ano

Os 10 Mais e 05 Menções Honrosas

Como é final de ano e todos os críticos estão com suas listas de melhores filmes vistos em 2013, também elencamos o que se viu e ficou marcado como os 10 Mais e ainda 05 Menções Honrosas. Segue em ordem de preferência:

01. Amor (foto acima), de Michael Haneke;

02. Um Toque de Pecado, de Jia Zhang-ke;

03. Tabu, de Miguel Gomes;

04. Holly Motors, de Leos Carax;

05. Depois de Lúcia, de Michel Franco;

06. Lore, de Cate Shortland;

07. Uma Primavera com minha Mãe, de Stéphane Brizé;

08. Azul é a Cor Mais Quente, de Abdellatif Kechiche;

09. Hannah Arendt, de Margarethe von Trotta;

10. Pais e Filhos, de Hirokasu Kore-Eda.

Dos que não conseguiram constar nos 10 Mais, listamos algumas menções honrosas, que só não entraram por absoluta falta de espaço, tais como:

- O Som ao Redor, de Kleber Mendonça Filho;

- Camille Claudel, 1915, de Bruno Dumont;

- César Deve Morrer, de Paolo e Vittorio Taviani.

- O Mestre, de Paul Thomas Anderson;

- Django Livre, de Quentin Tarantino.

Jovem e Bela

Tardes de Prazer

O clássico A Bela da Tarde (1967) já havia sido revisitado por Manoel de Oliveira, que prestou um tributo ao amigo morto Luis Buñuel, no sensível longa Sempre Bela (2006), trazendo Bulle Ogier no papel de Séverine Serizy- substituindo a deslumbrante musa francesa no auge de seu esplendor com talento Catherine Deneuve, provavelmente no maior papel de sua vida como a "Bela"-, onde um velho amigo do marido traído provoca a adúltera e reflete a beleza digna das cenas revisitadas numa Paris atual, num resgate de trinta e oito anos após o furor causado na época pela película inovadora e controvertida do mestre espanhol.

Depois dos longas Dentro de Casa (2012), Potiche-Esposa Troféu (2010), O Refúgio (2009), François Ozon retoma o tema com Jovem e Bela sendo interpretada pela sensual e bonita Marine Vacht no papel de Isabelle, uma garota de 17 anos, oriunda de uma família burguesa que se prostitui e vai logo avisando à clientela que só pode transar à tarde, alusão ao clássico de Buñuel; e nunca aos fins de semana, desta feita uma referência ao magnífico filme grego Nunca aos Domingos (1960), de Jules Dassin, em que a prostituta extrovertida só fazia programas durante a semana, exceto aos domingos. A falta de resposta para o drama deixa a entender que o vazio da protagonista está vinculado desde um problema de nascença, enquanto que Buñuel ia direto ao ponto e não deixava margens para dúvidas sobre o tédio da ricaça pela finitude do casamento diante da motivação esfarelada como consequência. Ambas estariam buscando na prostituição a saída para as decorrências existenciais.

Isabelle é meiga e dócil até perder a virgindade com um turista alemão (Lucas Prisor), mas não sente prazer, razão pela qual ao chegar em Paris, depois de passar as férias num balneário com seu irmão menor (Fantin Ravat), a mãe (Géraldine Pailhas), o padrasto (Frédéric Pierrot) e os tios, resolve buscar num site da rede social o perigoso jogo de vender o corpo para homens maduros e bem aquinhoados financeiramente. Começa a cobrar 200, passa para 300 e chega a 500 euros por encontros escondidos em hotéis luxuosos, embora não esteja com dificuldades econômicas. Há alguma semelhança com a personagem de Bruna Surfistinha (2011), de Marcus Baldini, ao retratar a trajetória da garota de programa mais famosa do Brasil, que se notabilizou por um blog de relacionamentos, na saga da mocinha insatisfeita com seus pais, neste caso adotivos, está à procura de autoafirmação e busca uma vida própria, vê novos horizontes se abrirem, tal qual uma cinderela adormecida que desperta para o mundo adulto e mau, após sua primeira transa com um dos clientes assíduos.

O cineasta francês tenta mergulhar nas inquietações juvenis de uma adolescente com cara de criança entre os adultos, mas uma rebelde quase sem causa, diante de suas afirmações de boa relação com o pai separado, o padrasto a quem tenta seduzir, talvez para estragar o romance, também é uma boa amiga do irmão, não reclama de falta de dinheiro. Timidamente faz menção a um suposto caso extraconjugal da mãe com seu companheiro, o que não poderia ser um motivo tão relevante como alegação, tendo em vista que seus devaneios sexuais já afloravam bem antes de qualquer suposta traição familiar.

As revelações ao psicólogo no seu tratamento são bem rasas e sem profundidade. O vazio e a alusão de uma desorientação sexual estão soltas e sem uma atmosfera consistente, pela falta de uma melhor construção psicológica da protagonista. Há indícios significativos por conta da experimentação libertária em determinados momentos, porém em outros há a nítida falta de um motivo mais claro como mola propulsora, deixando-se as questões mais para o marasmo de uma pessoa volúvel e sem objetivos de um sentido de vida definido. São colocações sem respostas, às vezes os desejos e os sentimentos estão mais para a busca de uma identidade, mas longe de uma contextualização específica do diretor, deixando a reflexão enfraquecida pela ausência de uma absoluta tendência de maior clarividência nas ideias lançadas.

Jovem e Bela traz à baila a prostituta de luxo próximo da glamourização de uma causa pouco convincente para uma abordagem sólida. A morte de um cliente e o encontro com a viúva (Charlotte Rampling- numa pequena aparição sóbria e elegante) no mesmo local do inusitado incidente dão margens para a interpretação de que tudo continuará como antes, ou seja, nada vai mudar e as estações do ano fecham o ciclo com a bonita canção de Françoise Herdy. Retumba a frase de um dos clientes: “prostituta uma vez, prostituta para sempre”, sob o olhar de Ozon na sentença definitiva para a protagonista que quis brincar com fogo numa experiência perigosa e sem volta.

Tanta Água

Reencontros na Chuva

O cinema uruguaio está cada vez melhor e se continuar assim, logo encostará na melhor escola de América do Sul, a Argentina. Iniciou meio tímido, em seguida engrenou com Coração de Fogo (2002) com direção de Diego Arsuaga, depois conquistou o público com Whisky (2004), de Juan Pablo Rebella- que se suicidou aos 32 anos, em 2006- e Pablo Stoll, para culminar com a mini obra-prima O Banheiro do Papa (2007), dirigido por Henrique Fernández e César Charlone. Pablo Stoll dirigiu seu segundo longa Hiroshima (2009). Outro grande sucesso foi Gigante (2009), com direção de Adrián Biniez, levou o Urso de Prata no Festival de Berlim (2009) e três Kikitos no Festival de Gramado (2009), como de melhor ator, roteiro e o prêmio da crítica.

Agora vem bater em nossas telas Tanta Água, uma pequena grande comédia dramática sobre as afetivas relações familiares, escrita e dirigida pelas estreantes Ana Guevara Pose e Leticia Jorge Romero, causou uma ótima impressão no público e crítica no último Festival de Berlim, embora não tenha obtido nenhum prêmio. Houve até comparações com a diretora Lucrecia Martel, de O Pântano (2001) e A Menina Santa (2003). Foi sensação no circuito internacional de festivais, tendo conquistado o prêmio da crítica em Cartagena de Índias, na Colômbia, o prêmio de melhor obra de diretor estreante em Guadalajara, no México, e o grande prêmio do júri em Miami, nos EUA.

A trama retrata Alberto (Néstor Guzzini), um pai quarentão divorciado que busca seus dois filhos menores na casa da ex-mulher para passar as férias numa colônia em Termas de Arapey, nas imediações do Rio Uruguai. Lucía (Malú Chonza) é uma pré-adolescente que está despertando para o amor e demonstra sofrimento nas primeiras derrapadas na vida, diante de perdas que surgem como a decepção com a amiga Madelón (Sofía Azambuya). Federico (Joaquín Castiglione) é o outro filho de 10 anos, parecendo estar de bem com a vida, comete peraltices como qualquer criança de sua idade. Porém, ambos demonstram insatisfação com a presença do pai, uma figura ausente até aquele momento, criam algumas dificuldades de relacionamento.

A chuva cai sem parar e o único refúgio aparente é a pequena casa alugada naquele lugarejo de classe média. Faltam opções de lazer para os filhos se divertirem, pois não há televisão, internet, quando muito um telefone para realizar uma ligação, colocam o pai em xeque para resolver as dificuldades e segurar a barra que se torna complicada, devido ao tédio instalado entre eles. Há um vazio entre os três diante daquela circunstância atípica do aguaceiro interminável, tendo em vista que era para ser umas férias inesquecíveis de reaproximação, torna-se chata e exaustiva, causando uma solidão involuntária entre eles, a mesma vista no belo drama argentino Chuva (2008), de Paula Hernández.

As diretoras enfatizam um pai flertando com uma mulher desconhecida, mas é guardado em segredo e a namorada é mantida longe dos filhos, a mesma distância que é utilizada como recurso da câmera ao captar as imagens sem nenhuma aproximação. Uma criativa metáfora sobre o afeto familiar distante, embora Alberto busque outras maneiras para reatar o vínculo deteriorado. Anima timidamente os filhos com a pescaria no rio, as compras no supermercado com Lucía, além das artimanhas para entrar no ritmo infantil de Federico. Há revelações constantes como a filha batendo de frente, fumar, mentir para ir dançar sozinha e passar mal por ingestão de bebida de álcool.

Ana e Letícia esmiúçam as ligações entre filhos e pai, deixando propositalmente a figura materna fora do foco, completamente alheia, como se mandassem um recado direto ao ex-marido sobre as dificuldades dobradas em relação à educação e as inerentes complicações de uma família em que há duas crianças e suas indagações para com o mundo que se abre como um leque. O cenário da bonita fotografia de tonalidade gris, típica dos dias chuvosos, traz no acaso e na precipitação do tempo o isolamento em que o trio se encontra como um desafio para a reaproximação da ausência paterna anterior para achar alternativas convincentes e tê-los sob sua segurança, criando-se um elo de credibilidade entre eles.

Os conflitos da adolescência que emergem faz parte de uma relação em Tanta Água, como as paixões juvenis que afloram e explodem como um vulcão. Para isto o pai não estava preparado psicologicamente, sequer imaginava o turbilhão de problemas que o aguardava nesta instigante e formidável comédia dramática. Impecável na forma e no contexto familiar, fisga o espectador com muita sensibilidade de uma obra simples, mas profunda na essência, pode-se perceber a descoberta de cada um e a ampliação dos valores e algumas afinidades que serão dados à vida, a partir deste momento único.

Um Toque de Pecado

Catarse Chinesa

Jia Zhang-ke causou impacto no Festival de Cannes deste ano com o longa-metragem Um Toque de Pecado, obtendo somente a premiação de melhor roteiro, embora pudesse ter conquistado a Palma de Ouro, como um justo reconhecimento pela sua monumental obra sobre a violência que explode em forma de catarse na China de um regime comunista em vias de abertura gradual ao capitalismo e vista como uma das maiores forças do mundo atualmente, por isso respeitada como uma poderosa nação e gigante na economia. Foi sucesso de público e crítica na 37ª. Mostra de Cinema de São Paulo.

O cineasta que realizou obras marcantes como Em Busca da Vida (2006) e Memórias de Xangai (2010), chega agora ao ápice com este drama social sobre a eclosão violenta como o estopim de uma sociedade amordaçada por muitos anos e ainda convivendo com um poder ditatorial, como a referência induzida na estátua do líder revolucionário Mao Tsé-Tung, vista com frequência pelas ruas de quatro províncias diferentes que são cenários de quatro histórias que se interligam como uma cronologia distinta de pessoas completamente independentes e sem relação entre elas.

Além de abordar a violência explícita, há como pano de fundo o tédio dolorido e infausto que corrói e destrói aos poucos, evoluindo para uma crise de valores e como decorrência a história individual que é abalada pelas atitudes coletivas de uma comunidade em iminente desintegração pela depravação política que campeia solta, como se vê no primeiro episódio do minerador ensandecido e sua revolta em forma de histeria diante da complacência e a falta de indignação das pessoas que o cercam, em relação ao líder corrupto. Ao colocar o rifle no ombro e ir à forra, seu personagem nos remete para a brutalidade bestial dos anti-heróis de Tarantino; ou mais propriamente para o assassino psicótico e impiedoso de Onde os Fracos Não Têm Vez (2007), dos irmãos Joel e Ethan Coen.

Zhang-ke vai pontuando sua escala de matizes de trucidamentos com um rigor cênico magnífico raramente visto num cinema de reflexão, sem ser apelativo, como se observa na jovem que trabalha numa sauna para obter ganhos para a família e é confundida com uma prostituta por uma esposa de um frequentador, bem como é assediada por um cliente rico e inescrupuloso. A raiva e a injustiça se misturam em uma explosão de legítima defesa em cenas de um banho de sangue como um libelo metafórico contra a prepotência de seres abjetos e apodrecidos como o próprio sistema decadente de um governo ultrapassado.

Em outro episódio um trabalhador migrante volta para casa na véspera de um ano novo, que será festejado com muitos fogos de artifício, porém sem comemoração com o filho. Os tiros que solta no ar é uma antevisão de sua tragédia pessoal como pai e a busca pela criminalidade de forma crua como que abate suas vítimas indefesas na rua. A juventude está presente no último episódio, ao retratar um rapaz que troca de emprego com o intuito de um resultado mais compensador, após ser condenado pelo patrão a pagar as despesas de um colega acidentado involuntariamente. A decepção com a bonita colega com quem está flertando é a gota d’água como causa determinante de uma decisão inusitada, ao perder o sentido da vida para continuar lutando contra um destino ingrato. Fica como análise o pessimismo pelo revés contundente para as adversidades como decorrência do fracasso profissional e pessoal como homem.

Um Toque de Pecado é um drama arrebatador na essência e na crueldade com que a vida reserva ao indivíduo. Uma violência latente com recheios destrutivos que perturba e instiga pelas lentes que captam através da sensibilidade do diretor sobre a amostragem de uma sociedade nitidamente em decomposição e permeando a selvageria, faz refletir pelas imagens eloquentes e arrasadoras, além da denúncia virulenta de uma conduta disforme de quem governa e o melancólico tédio de pessoas derrotadas num caminho de violência com rastros de mortes estúpidas, num clímax equilibrado e coerente. O próprio julgamento é um teatro alegórico de uma situação onde o poder judiciário está esfacelado e submisso ao Estado. Um filme que consta em listas de melhor do ano, como nas revistas Cahiers du Cinéma da França e na britânica Sight & Sound, credenciando-se como obrigatório entre os melhores de 2013 no Brasil.

Simone

Os Amores

Juan Zapata estreia em ficção com o longa-metragem Simone, contando a história real da atriz e amiga Simone Telecchi interpretando a protagonista que empresta o nome ao título. O cineasta é um documentarista nato, que optou por uma incursão no terreno da ficção ao realizar este drama de 76 minutos com um pequeno orçamento de R$520 mil, arrecadado através de prêmios em festivais e contribuições diversas. Foi rodado em Porto Alegre, razão pela qual a preferência pela estreia se dar na Capital gaúcha, diante de uma forte identificação com lugares tradicionais, como o Parque da Redenção e a famosa Rua dos Andradas, local em que o escritor Luís Fernando Verissimo e o seu grupo de jazz fazem uma pequena ponta no longa, animados tocam e arrecadam dinheiro.

O diretor, roteirista e produtor colombiano está radicado no Brasil desde 2004, morando em Porto Alegre realizou os médias-metragens Quinta Bienal do Mercosul (2005) e Em Branco (2007). Inovou ao lançar simultaneamente em cinemas, TV, internet e DVD os documentários A Dança da Vida (2007) e Ato de Vida (2009) em países como Colômbia, Brasil e Equador, também realizou Histórias de Fronteira (2010). Dirigiu e escreveu ainda outros quatro curtas-metragens e o documentário média-metragem Fidelidad (2004), em Cuba.

A trama mostra um cotidiano do dia a dia da protagonista e sua companheira Cris (a uruguaia Natália Mikeliunas) num romance que começa a ruir aos poucos, dando mostras de desgaste pelo tédio, onde até os novos vizinhos atrapalham com seus gemidos na cama a relação afetiva do casal. Os ciúmes são constantes e a deterioração parece iminente no relacionamento, até que surge Pedro (Roberto Birindelli-uruguaio radicado no Brasil), um colega novo na repartição pública, após passar num concurso e com a desaprovação da namorada, pois ambas se conheceram num curso de artes dramáticas e tinham como projeto a carreira de atriz.

Zapata assina o roteiro com Maressa Sampaio e Edson Gandolfi, com a liberdade de realizar uma adaptação livre das experiências verídicas de uma mulher assumidamente homossexual, que sempre se relacionou com pessoas do mesmo sexo, mas que aos 30 anos tem um envolvimento heterossexual, criando um típico triângulo amoroso contado em dois tempos distintos: passado e presente são intercalados até o epílogo, quando há a unificação como um fecho dos flashbacks temporais. Cris e Pedro estão no meio da indecisão e do vacilo sexual momentâneo de Simone, por isso e sofrem e demonstram dificuldades no rompimento e o caminho a seguir que se impõe. A paixão entre as namoradas já não é mais consistentes como forma de amar e dá sinais de uma turbulência na sexualidade da protagonista em rota de colisão com os prazeres e desejos oriundos dos instintos em que brota um contraste da natureza que está numa encruzilhada evidente.

Simone é um filme sem um grande enfoque na abordagem dos personagens inseridos num relacionamento entre pessoas de gostos diferentes em suas opções sexuais, pois é bem mais comportado e segue uma linha linear sem ter a contundência impactante de um Azul é a Cor Mais Quente (2013), de Abdellatif Kechiche; também está distante dos ousados e perturbadores filmes de Xavier Dolan: Eu Matei Minha Mãe (2009) e Lawrence Anyways (2012); bem como não tem a suavidade dolorida de Flores Raras (2012), de Bruno Barreto; ou ainda o irreverente e instigante Tatuagem (2012), de Hilton Lacerda.

Um drama típico homossexual menor diante de evidentes precariedades, embora o roteiro tente convergir para uma percepção de relação de coisas em comum como a desmotivação diante da sensação de vazio e isolamento, mostra-se insuficiente para uma proposta de uma obra reflexiva por faltar uma melhor elaboração no contexto. A trilha sonora destoa e sobrepõe as imagens e diálogos, numa invasão comprometedora. Zapata é um desbravador em suas ideias de cinema documental, em que é louvável, mas não empolga e nem provoca o espectador na ficção, diante dos defeitos estruturais numa imaginação apenas rasa na proposição do debate sobre a sexualidade, afasta-se da profundidade e deixa fluir os estereótipos numa trama pouco comprometida com uma análise mais crítica.

Seleção de Filmes Bourbon (Azul é a Cor Mais Quente)

Azul é a Cor Mais Quente (La Vie d'Adèle)

O grande vencedor da Palma de Ouro este ano em Cannes é o polêmico drama francês Azul é a Cor Mais Quente, quinto longa-metragem do cineasta franco-tunisiano Abdellatif Kechiche, que tem em sua filmografia A Culpa de Voltaire (2000), A Esquiva (2003), O Segredo do Grão (2007)- até aqui seu melhor e mais conhecido filme- e Vênus Negra (2009). Aborda a história de uma adolescente de 15 anos que descobre na tonalidade azulada dos cabelos de uma mulher experiente, assumida e sedutora, ao cruzar na rua por acaso, o combustível que faltava para explodir sua grande paixão por uma pessoa do mesmo sexo, após uma experiência inicial heterossexual.

O filme é uma adaptação da história em quadrinhos homônima, escrita e desenhada por Julie Maroh, retrata o romance secreto de Adèle, interpretada pela bela e formosa atriz revelação de 19 anos Adèle Exarchopoulos, dos filmes inéditos Quando Eu Era Sombrio (2013), Des Marceaux de Moi (2012) e do pouco conhecido Carré Blanc (2010), que se entrega por completo para a pintora Emma, com atuação sóbria de Léa Seydoux, a mesma de Robin Hood (2010), Meia Noite em Paris (2011) e Adeus, Minha Rainha (2011), deixando aflorar seus desejos e instintos homoafetivos que deverão ser mantido em sigilo absoluto, diante da família conservadora e defensora da moral vigente na comunidade de uma cidade do interior. Antes tivera um affaire morno com Thomas (Jérémie Laheurte), que logo desandou pela falta de química.

A dramaticidade dos personagens está bem condensada neste roteiro eficiente e de muita sensibilidade sobre a temática juvenil sem estereótipos, com seus anseios à flor da pele. Há profundidade na difícil transição da adolescência para o mundo adulto e são poucos os filmes que arriscam em se debruçar neste tema. Laís Bodanzky esteve ótima em As Melhores Coisas do Mundo (2010), retratando os prazeres e desprazeres da adolescência; Antes que o Mundo Acabe (2010), da diretora gaúcha Ana Luiza Azevedo, é outro instigante filme sobre as dúvidas e os caminhos que os adolescentes procuram em suas vidas futuras e os questionamentos da pós-infância; Em Paris (2006), de Christophe Honoré, é um longa soberbo na abordagem deste tema e as consequências imediatas de desfazimentos dos namoros; um outro no mesmo norte é A Bela Junnie (2008), também de Honoré, em que a garota de 16 anos apresenta problemas de relacionamento na escola.

E este é o caso de La Vie d'Adèle, que teve o nome trocado no Brasil e em outros países, para o batismo comercial de Azul é a Cor Mais Quente, tão abrangente quanto os referidos dramas familiares mencionados. Cabe ressaltar que não se trata de uma obra sobre duas mulheres que transam o tempo todo, porque não é um filme panfletário gay, muito antes pelo contrário. O cineasta trata com imparcialidade as fragilidades de uma adolescente em ebulição na fase da confusa descoberta do amor e da vida sexual com uma alta dose erotização, como são confusos os ideais e as utopias sonhadas nesta fase, onde tudo ainda é indefinido. Há muitas dificuldades de se reencontrar, como no caso de Adèle que estuda num colégio classe média, adora literatura e a língua francesa, porém sonha com o inglês e viajar para os Estados Unidos. São escassos os diálogos com os pais, estes numa posição beirando a ausência, como se vê na cena do jantar, onde todos assistem televisão, a menina ali com sérios problemas emocionais e há apenas uma vaga indagação da mãe sobre seu distanciamento.

Traição e culpa são abordados com equilíbrio, como decorrências de um casal que mora junto, diante do inesperado choque frontal com a parceira e o surgimento de outras pessoas envolvidas no relacionamento, de lado a lado, embora pela adolescente haja apenas um flerte com um colega de trabalho num momento de raiva e ódio com o novo quadro que se apresenta e a nova família constituída de Emma surja como um entrave doloroso. Nas exposições há os amigos que são apresentados como pessoas diferentes, como de uma outra esfera social, tudo contribui para a crise das amantes em processo de esvaziamento amoroso. A citação de Sartre não é por acaso, quando a essência e a existência são mencionadas anteriormente, ainda que num momento de harmonia entre as duas. Adèle supera as adversidades pela sua força de vontade e uma capacidade emocional equilibrada, ainda que por dentro esteja estraçalhada pelas desavenças e os transtornos do seu romance, diante da iminência do rompimento.

O filme busca no romance alucinante a reflexão para as dúvidas amorosas e a liberalidade sexual, como uma descoberta do prazer na impactante cena tórrida de sexo explícito num plano-sequência de intensidade e realismo em seis minutos, que causou furor e escandalizou críticos e o púbico mais conservador em Cannes. Há anos também houve muita polêmica com a cena de sexo oral com Marlon Brando e Maria Schneider em Último Tango em Paris (1972), de Bernardo Bertolucci; bem como no controvertido O Império dos Sentidos (1976), de Nagisa Oshima. Hoje são filmes que podem ser vistos até em convento de freiras, é tudo uma questão de tempo e costume, para que se entenda a arte como uma licença de livre criação.

Kechiche utiliza muito bem o recurso dos muitos closes como uma valoração da técnica cinematográfica de aproximação, ao dar mais realismo e intimidade com o espectador nas cenas, numa forma pouco habitual de filmar. Busca o rosto, os lábios e as lágrimas para expressar a dor não manifestada pelas palavras, porque Azul é a Cor Mais Quente mergulha no sofrimento e na tristeza da perda de um grande amor e a solidão que se escancara como resultado final, mas no seu contexto de reflexão há muito mais, como a descoberta e os primeiros passos na adolescência para a opção sexual livre como propõe o diretor, dentro de uma liberdade total, afastando os preconceitos das amarras repressivas, neste espetacular drama romântico francês com erotismo aplastante e suas abordagens sobre a juventude e seu espaço num universo de igualdades, mesmo que desemboque em rupturas.

Seleção de Filmes Bourbon (Instinto Materno)

Instinto Materno (Child’s Pose)

Vem da Romênia o contundente drama familiar Instinto Materno, do cineasta Calin Peter Netzer, que assinou o roteiro enxuto com Razvan Radulescu. Também dirigiu o premiado Maria (2003) e Medalha de Honra (2009). Foi o grande vencedor do Urso de Ouro e o Prêmio da Crítica de Melhor Filme no Festival de Berlim, além da passagem exitosa de público e crítica na 37ª. Mostra de Cinema de São Paulo deste ano.

Um dos grandes trunfos do filme é a impecável atuação de Luminita Gheorghiu no papel da obstinada mãe Cornelia, a mesma atriz do cultuado 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (2007), e Além das Montanhas (2012), ambos de Cristian Mungiu. A instigante história da saga da protagonista, uma mulher rica que ouve ópera, quando num dia qualquer é surpreendida pela notícia trágica. A partir daí passa a dedicar todo seu tempo para livrar o filho (Bogdan Dumitrache) da cadeia, embora haja comprovada culpa no acidente que matou um garoto de 14 anos, sem prestar socorro, ao andar numa velocidade de 140 km por hora numa rodovia em que o limite máximo é de 110 km/h.

O drama aborda a corrupção que se faz presente diante de uma polícia frágil e com resquícios ainda de um poder onipotente, como se vê nos dois policiais tontos e despreparados aparentemente. Um deles chega a pedir uma ajudinha para liberar a construção da casa de um parente, deflagra-se ostensivamente a falta de seriedade. Há contatos com superiores que interferem na investigação, demonstrando a triste situação deste país que saiu da Cortina de Ferro. Retrata uma nova casta de uma sociedade surgida após soçobrar o comunismo na Romênia, num comportamento absurdo de uma classe social estereotipada e que inverte os valores, dando guarida para o desenlace de uma situação dolorida pela culpa não assumida de um rapaz já adulto e mimado, criado irresponsavelmente sob a proteção matriarcal e que não sabe o que fazer. Chega a pedir uma pausa para ter uma vida independente, como num indício de cortar o vínculo de submissão e os limites da proteção exagerada, como uma metáfora da mãe que representa o Estado protetor e seus filhos pacatos e sem luz própria.

O cineasta utiliza a câmera na mão na maioria das cenas, como um recurso da situação nevrálgica e nebulosa do quadro apresentado, assim como a fotografia sem brilho e em tons esmaecidos como num lusco-fusco de interiores dentro de um cenário sem grandes locações. Um filme de diálogos contínuos em contraplanos e com o afastamento de planos de belas imagens. A dor está presente acompanhando a ausência irremediável, como na extraordinária cena do encontro de Cornelia e sua nora com os pais da vítima. Um duelo magnífico de palavras dilacerantes sobre a perda e a culpa. O pedido de perdão e a indicação da mãe sobre seu filho lá fora, no carro, querendo se redimir é comovente.

Netzer chegar a inverter os papéis num determinado momento do diálogo e deixa dúvidas de quem está sofrendo mais realmente: os pais do morto ou a mãe do motorista imprudente? Há um entrave dolorido daquela senhora representante de uma elite viciada no suborno que luta como uma leoa faminta para isentar o filho de uma possível condenação e do martírio da prisão. Alega que só tem ele, enquanto que do outro lado há um irmão ainda vivo de 11 anos para iluminar o futuro. São frases chocantes sendo desfiadas como um colar que despenca e perde suas pedras preciosas, diante de um desenlace enternecedor do encontro do algoz com aquele pai em frangalhos, numa cena triste e ao mesmo tempo paradoxal, pois está repleta de altivez pelo ato jogado como uma imagem ardente no retrovisor.

Instinto Materno é um poderoso e arrebatador drama familiar com fortes tintas sociais que mergulha com dignidade na perda, na culpa e no arrependimento com viés de perdão diante de uma luta desenfreada e com a ética distanciada da realidade. Uma mãe obsessiva pela liberdade do filho culpado que quer o fim das amarras da submissão no belo e dignificante encontro final com aquela criatura estraçalhada pela ausência trágica definitiva no seu seio familiar. O longa sensibiliza com sutileza um amor destroçado e questiona os limites protetivos, através de um realismo cênico com desfecho equilibrado de uma narrativa dramática para reflexão das relações sofridas entre seres desesperançados, emociona pela condução sem arroubos ou pieguismos baratos, perturba ao rasgar a alma do espectador numa profunda amostragem sobre a morte e as pessoas íntimas em seu entorno, com as consequências de seus vínculos e relações decorrentes de uma vida. Aí está um filme que deverá constar nas listas de melhores de 2013.